Llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: La Bailarina de Sonia Gómez #danza

La última obra del ciclo “Prácticas para estar juntas” se exhibirá este 22 y 23 de julio.

“La Bailarina” es un trabajo de proximidad entre el espectador y la artista que deja de lado los artificios que envuelven a la danza.

Sonia Gómez es la última artista española en presentarse en este ciclo que cuestiona y trabaja en torno a los objetos y el humor.

Luego de haber presenciado las obras de las artistas españolas Amalia Fernández, Cuqui Jeréz, María Jeréz e Idoia Zabaleta, llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: “La Bailarina” de la artista hispana Sonia Gómez.

La obra que comenzó a gestarse en 2014 y que se presentará en NAVE como un solo de 35 minutos, es el resultado de una investigación entre la proximidad de la artista con el público que busca no apoyarse de los artificios que enmarcan a la danza actual, ya que pretende ser una pieza que se pueda presentar en cualquier lugar, sin que el contexto sea una determinante.

Sonia Gómez se prepara en casa. En una habitación vacía y también en una sala de ensayo, la coreógrafa española busca, en un espacio inesperado sin los artificios de la luces y un suelo especial, crear un espectáculo íntimo donde las dualidades entre audiencia e intérprete, y el cuerpo y la performatividad se encuentren y confluyen.

En “La Bailarina”, el movimiento es el protagonista absoluto de todo y toda acción y voluntad giran en torno al deseo de moverse.

La pieza, un solo de danza para un público pequeño, está pensada para ser bailada en espacios que transmitan placer y empatía al intérprete y el espectador.

En esta nueva muestra de su pieza en NAVE, la artista vuelve a retomar los pasos que llevaron a la creación de la obra en sus orígenes. “La Bailarina” nace del prefijo auto, de la investigación en el movimiento y de algunas reglas para el intérprete.

Todos estos conceptos unido buscan construir el cuerpo como materia dramatúrgica el cual busca optimizar los recursos y el empleo del tiempo para que las ideas fluyan.

Sobre su paso por NAVE y sobre lo que busca generar como parte de su trabajo en el espacio la artista dice: “Busco poder generar, intercambiar y compartir el proceso Bailarina. La pieza que ha tenido varios formatos de reflexión ya que se ha compartido  invitando a otros artistas a hacer versiones de la pieza original y también se ha convertido en un Laboratorio [DANCERS], para seguir investigando con profesionales de las artes del cuerpo sin la necesidad de llegar a un resultado-pieza-producto. El laboratorio [DANCERS] comparte los principios de Bailarina con los participantes que pueden hacer uso y disfrute de las ochos pautas de movimiento que conforman la pieza original y utilizarlos a su antojo, cómo quieran y cuándo quieran”.

 


COORDENADAS

Fecha: 22 y 23 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de PICE y Acción Cultural Española, y Centro Cultural España.

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/466707477042850/

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Ya está abierta la convocatoria DenkTanz para creadores nacionales #DANZA #NAVE

Ya está abierta la convocatoria para coreógrafos nacionales DenkTanz, un programa para creadores chilenos organizado por Goethe-Institut Chile y CIM/AE –Centro de Investigación y Memoria de las Artes Escénicas–.

Esta vez, por tercer año consecutivo, Denktanz se propone como una residencia de investigación-creación en NAVE. Donde el foco se ha puesto en desarrollar una nueva temática, integrando la riqueza de los nuevos contextos socioculturales de las migraciones que actualmente integran nuestro territorio.

A través de esta convocatoria, se recibirán propuestas que aborden la creación desde temáticas en torno a la migración, donde el cruce entre danza y migración se articula como la premisa para el trabajo práctico, la generación de experiencias y la metodologías a proponer.

Para conocer más sobre cómo enviar tu proyecto entra a Convocatoria DenkTanz.

¡No te pierdas la oportunidad de desarrollar tu proyecto en NAVE!

*** CIERRE CONVOCATORIA 21 DE JULIO ***

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Llega a #NAVE la obra PARDO en el marco del ciclo OtroSur

Como parte del ciclo OtroSur, llega a NAVE la obra Pardo dirigida e interpretada por los artistas uruguayos Vera Garat, Santiago Turenne y Leticia Skrycky.

PARDO, primera obra en conjunto de los artistas se concibe como un dispositivo escénico que articula prácticas desde lo concreto hacia lo inasible y que se presentará este viernes 7 y sábado 8 de julio a las 20:00 hrs.

Este mes, NAVE abre su programación con la obra PARDO de los artistas uruguayos Vera Garat, Santiago Turenne y Leticia Skrycky. La pieza que juega con los elementos de luminosidad y oscuridad fue seleccionada en la línea del ciclo debido a que OtroSur tiene como eje central el trabajo curatorial en torno a la idea de “sur”, que va más allá de la lógica geográfica, al restituir la necesidad de volver a la comunidad y su ritualidad explorando diferentes modos de hacer y pensar.

PARDO se concibe como un dispositivo escénico que articula prácticas desde lo concreto hacia lo inasible. Se sitúa en el borde, en la distorsión y en la superposición.

Durante el proceso de creación para el desarrollo de esta obra se trataron 4 conceptos principalmente: la opacidad, el layering, la liminidad y la transposición.

La poética de lo opaco, inspirada por “El discurso antillano” de Édouard Glissant, implica un modelo relacional basado en la diferencia y el  desconocimiento sobre el otro, en oposición a los conceptos de transparencia y homogeneidad. Viendo la opacidad como una virtud en lugar de un obstáculo, los artistas se relacionan a través de nuestras diferencias, y así mismo construimos un mundo donde la oscuro está premiado frente a lo iluminado.

El layering es utilizado como un concepto que proviene de la programación aplicada en iluminación, y propone la utilización de diversas capas (layers) simultáneas para la ejecución de una o varias listas de comandos referentes a las luminarias y su comportamiento en el tiempo.

La liminalidad, por otro lado, es una noción utilizada en los 60s por Victor Turner, y hace referencia al estadio intermedio de un proceso en el que él distingue tres fases: pre-liminal / liminal / post-liminal. La fase liminal se caracteriza por ser ambigua, abierta e indefinida.

Si bien es un concepto utilizado en antropología, fue apropiado por los artistas para identificar una zona de incertidumbre y apertura, donde las relaciones no están aún fijas y no hay jerarquías compositivas definidas.

En este sentido, los uruguayos buscan una composición escénica donde no haya ni centros ni bordes claros, sin la utilización de objetos concretos ni simetrías binarias, favoreciendo así a la distorsión visual y sonora frente a las formas definidas.

“El público se encontrará con un espacio lumínico y sonoro que habilita a tener una experiencia perceptiva. Para los artistas significa el primer proceso y primera obra de un recorrido de investigación, intercambio y reflexión en conjunto. La obra Pardo es resultado de conversaciones infinitas y trasposición de conceptos varios a la escena”, explica Leticia Skrycky.

COORDENADAS

Fecha: 7 y 8 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas o en preventa@nave.io (Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

fotos gentileza nave por Nacho Correa.

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Continúa el ciclo Prácticas Para Estar Juntas con “Mantra Vida” de Idoia Zabaleta #nave

En el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas, llega a NAVE la 4ta obra que compone este encuentro lleno de humor entre 5 artistas hispanas y sus creaciones.

En esta ocasión, Idoia Zabaleta mostrará Mantra Vida, una serie de solos inspirados en la figura de Antonia Merced, conocida como La Argentina, bailarina española víctima de la guerra civil española.

NAVE abre su programación de julio con la obra de la artista española Idoia Zabaleta, Mantra Vida, 4ta obra en llegar al espacio en el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas; un encuentro lleno de humor donde 5 artistas hispanas presentarán obras y creaciones que han pasado por una serie de países y festivales.

Mantra Vida nace como un encargo para el proyecto “Envoltura”, comisariado por Isabel de Nacerán e iluminada por David Alcorta, y que evolucionó en un proceso de investigación y creación de una serie de solos en torno a las circunstancia de la muerte de la bailarina Antonia Merced, conocida como La Argentina, el 18 de julio de 1936.

En sus primeros pasos, la artista se enfrentó a la figura de la bailarina a través de “Envoltura”, un recorrido por varias escenas inspiradas en la idea de síncope como movimiento corporal e histórico encarnado en la figura de la bailarina Antonia Merced (1890-1936) quien murió sorpresivamente cuatro horas después de enterarse del alzamiento de las tropas franquistas y el inminente inicio de la Guerra Civil.

La muerte de La Argentina resultó significativa ya que fue la primera artista condecorada por el Gobierno Provisional de la Segunda República Española.

Pese a la fuerza y connotación que tiene la vida e imagen de La Argentina, Mantra Vida se convierte en una pieza que se conforma a partir de una serie de solos que hacen eco a “Envoltura”, pero que buscan convertirse en un melodramático canto a la vida o una máquina de producción y distorsión de la vida. O a lo mejor en un acople de vitalismo y patetismo en un tiempo indefinido.

De esta forma, Mantra Vida hace un cruce entre el fuerte impacto de la Guerra Civil y la irrupción del franquismo con la serie “Top Mantras” que para la coreógrafa, son formas de entrar que funcionan como instrumentos mentales para la iluminación, como palabras aplastantes para la oración, como vibraciones elementales para la creación.

Se propone a partir de la obra, una experiencia contemplativa, donde el espectador ideal para esta sería una persona que al igual que en un concierto, no teme aburrirse, ni teme verse pensando en otras cosas, en otras dimensiones en otros planetas y tampoco teme mirar a su lado y darse cuenta que hay otras personas mirando lo mismo, o quizás no, pero si que está respirando a compás y que, hasta, a lo mejor quieran darte la mano.

Biografía de la artista

Idoia Zabaleta (1970, Vitoria- Gastéis). Es coreógrafa especializada en ecosistemas y dinámica de poblaciones en la Facultad de Biología. Estudió nueva danza e improvisación en Barcelona, Florencia, Amsterdam y Nueva York. Trabajó con la compañía Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 coproduce y crea su propio trabajo, colaborando con otros artistas e investigadores como Isabel de Naverán, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini, Ixiar Rozas, Sofia Asencio, entre otros.

COORDENADAS

Fecha: 30 de junio y 1 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas o en preventa@nave.io (Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

 

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La desilusión política llega a NAVE con Medelei, soy brasileño (etc) y no existo nunca #danza

A partir del slogan “Yo soy brasileño y no me rindo nunca” del gobierno de Lula da Silva, el coreógrafo Cristian Duarte reflexiona sobre el nacionalismo y el cliché de las políticas de estado.

Mediante el humor la pieza indaga en la Ideología contenida en las campañas publicitarias de la televisión.

La obra creada en 2006, aborda la desilusión nacional, la misma que abre el interés de la población en la política, situación que renace en la indignación del presente.

La campaña televisiva de Lula llamada “Soy brasileño y no me rindo nunca” es transformada por Cristian Duarte a “Soy brasileño (etc) y no existo nunca”, subtítulo de Médelei, una reversión del slogan que marcó una generación de jóvenes brasileños. Los mismos que hoy yacen desilusionados de la política gubernamental.

“Médelei” es la versión brasileña de la palabra inglesa “medley” que significa mezcla o selección ininterrumpida de cosas o partes mezcladas armónicamente, como un popurrí. Palabra que fue referencia para esta investigación sobre el movimiento y comportamiento, permitiendo indagar en nociones, repertorios y apropiaciones entorno a la identidad brasileña. Así, poniendo de relieve la cuestión identitaria en tiempos de corrupción, esta obra nos invitará a cuestionarnos nuestra propia condición y participación en el contexto cultural.

Como base teórica para el montaje se utilizó el libro “En busca de Espinosa: placer y dolor en la ciencia de los sentimientos” del neurocientífico portugués Antonio Damasio. “Este libro explica científicamente la emoción y los sentimientos, así como la relación intrínseca entre ellos y, por lo tanto, desmitifica la idea cliché de que emoción y sentimiento son entidades que están fuera del cuerpo y que no pertenecen a la razón” dice Duarte. ”Este mecanismo de transformar lo particular en universal es peligroso, pues excluye todo lo demás, excluye la diversidad” aclara. Sería peligroso, en ese sentido, creer que la danza Odissi es representativa de India, el Butoh para Japón o la Samba con Brasil. La universalización es peligrosa, propone el coreógrafo, pues borra todo lo que queda fuera de ese recorte.

Cuestionando por tanto, el slogan panfletario, Duarte discute el cuerpo como mecanismo que transforma lo particular en universal, desmoralizando los discursos identitarios y las concepciones nacionalistas desde el cuerpo como soporte. Para esto, su equipo de baile desafiará su adaptabilidad frente a diferentes referencias culturales a la misma velocidad con la que se cambia una estación de radio.

Cristian Duarte (Sao Paulo, 1974) es bailarín, coreógrafo y director. Su trabajo como ha sido presentado en Brasil e internacionalmente en países como Suecia, Singapur, España, Alemania, Holanda, Francia, Inglaterra, Portugal, Bélgica, Uruguay y Chile. Entre ellos están “Ó” (2016) también presentada en NAVE, “Biomashup” (2014), The Hot One Hundred Choreographers (2011) y otras. En 2015 creó contra el actual, Glow (2015) para el Cullberg Ballet en Estocolmo, Suecia, donde fue también profesor y coreógrafo invitado por la DOCH – University of Dance and Circus en 2013 y 2015.

COORDENADAS
Fecha: 17 y 18 de junio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de Ibersecena 2017 y Fondart Regional 2017.
>>> La presentación del espectáculo “Médelei- Yo soy brasileño (etc) y no existo nunca-” y el laboratorio “¿Qué está realmente aconteciendo cuando algo acontece?” cuenta con el apoyo del Lote#5 -en mantención- proyecto contemplado para la 21º Edición del Programa Municipal de Fomento a la Danza de la ciudad de Sao Paulo.

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NAVE trae a Chile obra “The Nowness Mystery” de Cuqui Jeréz #danza

La segunda obra del ciclo “Prácticas para estar juntas” se exhibirá este 13 y 14 de mayo.

“The Nowness Mystery” reflexiona en torno a la digresión y la escritura en vivo de una pieza coreográfica.

Cuqui Jeréz continúa el espíritu de colaboración entre coreógrafas trabajando junto a María Jeréz y Amalia Fernández.

The Nowness Mystery es un experimento. Un trabajo basado en la experiencia del presente. El vacío del presente como un espacio para la oportunidad y un espacio para el fracaso.

Concepto y dirección: Cuqui Jeréz
Creado en colaboración con María Jeréz y Amalia Fernández
Dirección técnica: Carlos Carpintero
Diseño de luces: Gilles Gentner
Intérpretes: María Jeréz y Amalia Fernández

Co-producido por Internationales Sommer Festival Hamburg, Theaterfestival SPIELART Munich, Theaterhaus Gessnerallee Zurich y Manège de Reims – Scène nationale.

Marty: ¡Por dios Doc, has desintegrado a Einstein!
Doc: Cálmate Marty no he desintegrado nada, la estructura molecular de Einstein como la del coche está completamente intacta.
Marty: Entonces, ¿¡Dónde demonios están!?
Doc: La pregunta apropiada es ¿¡Cuándo demonios están!?

(Regreso al futuro, 1985)

COORDENADAS

Fecha: 13 y 14 de mayo
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de PICE y Acción Cultural Española, y Centro Cultural España

“El caso del espectador” abre ciclo de mujeres coreógrafas en NAVE #danza

Prácticas para estar Juntas es el primer ciclo de NAVE en torno al trabajo de coreógrafas que colaboran entre sí, teniendo como foco la región ibérica.

“El Caso del Espectador” es la primera obra de María Jeréz y llega a Chile luego de girar por países como Francia, Italia, Alemania y Cuba.

La española reflexiona sobre el punto de vista del espectador y el poder de la representación.

La primera pieza en la carrera de la coreógrafa María Jeréz inaugurará el ciclo Prácticas para estar Juntas curado por NAVE, el cual aborda el trabajo colaborativo de mujeres españolas.

Libros de suspenso, una televisión, una cámara y un sillón de espaldas al espectador. Así comienza la obra donde una mujer pone en movimiento la escena, creando un dispositivo y una película en directo. Ella es directora, actriz y espectadora. La audiencia observa a una espectadora que, a la vez, observa y es observada. La reflexión estética aparece al constatar ambas realidades, cuando la escena se desdobla, poniendo en suspenso lo que comprendemos como realidad.

Esta situación cinematográfica cercana al imaginario pop tensa los espacios y tiempos, incurriendo en una sensación de contradicción, de imágenes dobles y juegos de identidad. “¿Qué es real? ¿Qué es ficción?” Son preguntas que rompen con la visión frontal del espectador y de la realidad mediante la fragmentación de imágenes y del cuerpo en una pantalla.

En “El Caso del Espectador” la artista desaparece detrás de un sillón para impedirle al espectador una mirada única sobre su cuerpo y de la acción. Ofreciendo, así, una visión parcial de su cuerpo que le permite desdoblarse, convertirse en muchas y muchos, el asesino, la víctima, la espectadora, el agente, la testigo, el chino, el objeto, la imagen, el cliché cinematográfico… es todos a la vez y ninguno.

María Jeréz (Madrid, 1978) trabaja con arte en vivo, cine, coreografía, arquitectura y artes visuales, poniendo especial eje en la indiferencia. Además de la pieza que nos convoca ha realizado “This Side Up” (2006), “La Coartada Perfecta” (2011-2012), “ba-deedly-deedly-deedly-dum ba-boop-be-doop!” (2014), “Alma de Rímel & The Glammatics” (2015) y “BLOB” (2016), entre otras. Además co-diseña y organiza desde 2010 el Living Room Festival (Madrid) y es co-comisaría PICNIC SESSIONS 2017.

Las obras que acompañarán “El Caso de Espectador” son “The Nowness Mistery” de Cuqui Jeréz (13 y 14 de mayo), “En Construcción 2” de Amalia Fernández (20 y 21 de mayo), “Mantra Vida y Mantra Tiempo” de Idoia Zabaleta (1 y 2 de julio) y “La Bailarina, proyecto de transmisión” de Sonia Gómez (22 y 23 de julio).

El caso del espectador
Realizado e interpretado por María Jeréz
Realización de vestuario Hanna Sjödin
Realización escenografía Gonzalo Montón
Co-producido por MUGATXOAN 2004-Arteleku Gipuzkoako Foru Aldundia, Fundaçao Serralves.

Esta obra cuenta con la colaboración de In-Presentable 2004 y del Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá de Henares.

COORDENADAS
Fecha: 6 y 7 de mayo
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de PICE y Acción Cultural Española,  así como de Centro Cultural de España

NAVE inaugura ciclo de #danza Prácticas para estar juntas

“Prácticas para estar juntas” convoca a cinco coreógrafas españolas que investigan la experimentación, la reconstrucción histórica y el espacio doméstico.

NAVE refuerza su presencia Iberoamericana en su primer ciclo con foco País, donde se integran artistas de diversas regiones de España como son País Vasco y Cataluña.

El ciclo comenzará con la obra “El Caso del Espectador” de María Jérez este 6 y 7 de mayo a las 20:00 hrs.

En su afán por visibilizar los procesos y prácticas de creación, NAVE da inicio al ciclo “Prácticas para estar juntas” con foco de programación en España, invitando a destacadas coreógrafas en el ámbito internacional.

La exhibición de nuevas miradas en torno a la danza contemporánea, responde a la línea curatorial que propone la investigación artística y las metodologías de trabajo como un punto de alto interés para la danza chilena. Las obras a exhibirse incluyen un laboratorio de trabajo para público general o con habilidades específicas que pueden encontrarse en nuestras convocatorias.

Las artistas seleccionadas se conocen entre sí y han trabajado juntas, participando además del Máster de Prácticas Escénicas y Cultura Visual en UCLM impartido por Artea. Todas desarrollan su trabajo enfocadas en la colaboración, incluso colaborando entre ellas mismas -de ahí el nombre de este ciclo-. La colaboración como una práctica para estar juntas, apunta a conocer el trabajo de la otra, para nutrirse, dialogar y reflexionar como mujeres en colectivo.

Dentro de las obras seleccionadas se encuentra “The Nowness Mistery” de Cuqui Jeréz, “En Construcción 2” de Amalia Fernández, “Mantra Vida y Mantra Tiempo” de Idoia Zabaleta y “La Bailarina, proyecto de transmisión” de Sonia Gómez. Siendo la primera en exhibirse, “El Caso del Espectador” donde la artista María Jeréz, cuestiona el punto de vista del espectador, así como el poder de la representación y la ficción que existen sobre los mecanismos de percepción. El dispositivo creado consiste en un sillón, un televisor y una cámara de video que la artista manipula desde el sillón. De esta manera crea una película, de la cual ella es, al mismo tiempo, espectadora. Todo a espaldas del público.

Esta obra tendrá un laboratorio asociado llamado “Eclipses, criaturas, montañas, masas…” donde buscamos a niñas y niños entre 10 y 13 años para experimentar con el imaginario, objetos y texturas, trabajando en torno a la idea de hacer invisibles los cuerpos que producen movimiento.

COORDENADAS – “El Caso del Espectador”
Fecha: 6 y 7 de mayo
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Programación del ciclo “Prácticas para estar juntas”

“El Caso del Espectador” de María Jeréz
Funciones: 6 y 7 de mayo
Horario: 20:00 hrs.
Lugar: Sala Negra

>> Laboratorio: Eclipses, criaturas, montañas, masas…
Fechas: 8, 9 y 10 de mayo
Horario: 17:00 a 19:00 hrs.
Lugar: Sala 1

“The Nowness Mystery” de Cuqui Jeréz
Funciones: 13 y 14 de mayo
Horario: 20:00 hrs.
Lugar: Sala Negra

>> Laboratorio
Fechas: 2, 3, 4, 5 y 6 de mayo
Horario: 10:00 a 14:00 hrs.

“En Construcción 2” de Amalia Fernández
Funciones: 20 y 21 de mayo
Horario: 20:00 hrs.
Lugar: Sala Negra

>> Laboratorio: En Construcción 2
Fechas: 8 al 12 y del 15 al 19 de mayo
Horario: 10:00 a 15:00 hrs.
Lugar: CCE / NAVE

“Mantra vida y Mantra Tiempo” de Idoia Zabaleta
Funciones: 1 y 2 de julio
Horario: 20:00 hrs.

>> Laboratorio: Inicio – estalla
Fechas: 3 al 7 de julio
Horario: 10:00 a 15:00 hrs.

“La Bailarina” de Sonia Gómez
Funciones: 22 y 23 de julio
Horario: 20:00 hrs.
Lugar: Sala Negra

>> Laboratorio
Fechas: 17 al 22 de julio
Horario: 10:00 a 14:00 hrs
Lugar: Sala Blanca

NAVE trae la obra portuguesa “Paradigm” de Dinis Machado

“Paradigm” desarrolla la idea de “hágalo usted mismo” desde el cuerpo y sus identidades borrosas.

El artista portugués desnuda el escenario buscando su estructura, estableciendo la pregunta teatral de lo natural y lo contra-natura.

Esta es la segunda obra que presenta en NAVE, siendo la primera “Barco Dance Collection” realizada en conjunto con el artista uruguayo Miguel Jaime.

En un paisaje creado a partir de referencias familiares y ficticias, Dinis Machado recorre las paradojas de los lugares donde hemos nacido, vivido o habitado. Artefactos, narrativas, rituales y canciones nos llevan a un exotismo que vela por la diferencia y la ciudadanía.

Sobre el escenario encontramos una caja negra con luz aséptica y un cuerpo quieto atado a una cuerda. En esa posición el cuerpo se mueve pero no se desplaza. Las cortinas de papel generan un sonido de dobleces que bajan de manera lenta y progresiva. La luz cambia. Así, la performance se desarrollará a partir de elementos que se combinan, hacen simbiosis y se metamorfosean originando paisajes y monstruos.

La obra cuestiona los paradigmas clásicos de la representación, donde sería el intérprete quien representa a “alguien más” en el escenario, que a su vez representa a “otro lugar”.

Dinis Machado (Porto, 1987) Autor, coreógrafo y performer radicado en Estocolmo. Cuenta con un Magíster en Coreografía en el DOCH (Estocolmo), cursó el Programa de Estudios Independientes en Artes Visuales en el Mamaus de la Escuela de Artes Visuales en Lisboa, dirigido por Jürgen Boch. Tiene un Bachillerato en Teatro de la ESTC (Lisboa) y estudió Ballet y Danza Contemporánea en el Balleteatro (Porto). Su trabajo aborda la construcción de ficciones y la realidad de la construcción teatral, desde el cruce de las Artes Visuales y la danza, donde su construcción plástica es recuperada y utilizada como material coreográfico.

COORDENADAS
Fecha: 27 y 28 de abril
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general. Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas. (Pago sólo en efectivo. No hay redcompra).

fotos gentileza NAVE CRÉDITOS Susana Paiva

OBRA ARGENTINA PRESENTADA EN LA BIENAL DE VENECIA LLEGA A CHILE EN #NAVE #DANZA

Sólo dos presentaciones se realizarán en Chile de la obra performática Nostalgia de una ciencia ficción futura, de las creadores argentinas Sofía Medici y Laura Kalauz quienes realizarán, en Santiago, el formato de lectura performática.

“Darwin secuestra a tres fueguinos, les enseña inglés y les pregunta si matan y comen gente…”. Así comienza esta investigación performática sobre la cultura Ona –o Selk’nam-, que cuestiona a su vez la construcción del relato histórico y su grado de ficcionalidad.

Nostalgia de una ciencia ficción futura fue concebida como obra de teatro performático y estrenada en diciembre de 2014 en DeSingel (Bélgica) en el festival ACT. También, parte de su investigación formó parte de la exposición colectiva “Voces indígenas” en el Pabellón Italo-Latinoamericano de la Bienal de Venecia 2015, en cuya apertura Kalauz y Medici realizaron la performance Reported speech.

En 2015, el proyecto fue presentado en formato de instalación performática en el Centro Cultural General San Martín en Buenos Aires con la participación de nueve artistas invitados: músicos, actores, bailarines, performers, beatboxers, locutores, etc.

La prensa ha dicho:

”Nostalgia de una ciencia ficción futura es un hecho conceptual de enorme solidez interna. Kalauz ya había demostrado su talento cuando montó Cmmn sns prjct, performance en la que reflexionaba sobre el intercambio. Esta vez, junto con Sofía Medici y un sólido equipo, construyen un relato inquietante.”

Alejandro Cruz, diario La Nación

”Artistas y actores ponen el cuerpo y la voz para contarnos, repetirnos, recordarnos que en las ciencias humanas el orden sí altera el producto.”

Eugenia Viña, Radar / Página12

Sobre la investigación

Los Selk’nam u Onas son una cultura originaria de Tierra del Fuego. Antiguos cazadores y recolectores, luego de la colonización española y británica del siglo XVIII fueron desplazados a misiones católicas, usados como mano de obra esclava y/o exterminados.

Aquellos Selk’nam que habían sido exhibidos en zoológicos humanos en la Europa del siglo XIX; hoy son el contenido de exhibición en Bienales de Arte por ser pueblos extintos y sus descendientes continúan el reclamo por el territorio del que fueron despojados.

Actualmente, en Tierra del Fuego, se encuentran las cadenas de ensamblaje de electrodomésticos del país y las misiones salesianas que alojaron a los Selk’nam en el siglo XX y que devinieron escuelas agro-técnicas.

Así como el método científico llevó a Darwin a la conclusión de que los fueguinos eran caníbales, Nostalgia de una ciencia ficción futura se propone demostrar científicamente que la ciencia también es, después de todo, ficción.

Ficha artística

Idea, dirección y performance: Laura Kalauz y Sofía Medici

Locución y sonido en vivo: Demián Rochwerger

Producción: Lucila Piffer

Asistencia de dirección: Agustina Barzola Würth

Asesoría dramatúrgica: Mariana Obersztern

Asistencia artística: Luz Algranti y Matías Ygielka

Asesoría científica: Anatilde Ydoyaga Molina / Centro Argentino de Antropología Etnológica

COORDENADAS

Fechas: 22 y 23 de abril

Horario: 20:00 hrs.

Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)

Precio: $3.000 general | $1.500 estudiantes, tercera edad y vecinos de Barrio Yungay que acrediten domicilio.

Las autoras dicen:

“Estábamos interesadas en trabajar sobre una cultura originaria extinta en Argentina para pensar en las diferencias entre esa cosmología y la nuestra. La investigación fue sobre cómo se dan por sentados ciertos supuestos en nuestra sociedad y qué otras posibilidades encontramos en modos de vida totalmente diferentes.

En el proceso nos dimos cuenta de que la investigación nos llevaba aún más lejos. Leímos todos los materiales disponibles hasta el punto de que los autores se convirtieron en personajes tácitos del juego. La imagen de los Onas (Selk’nam) fue atravesada por la subjetividad de los autores (científicos, exploradores, militares, funcionarios gubernamentales religiosos). Y esto no se diferenciaba mucho de un artista creando un texto de ficción. De la misma forma que la ciencia construye ficción, utilizamos metodologías científicas para crear una obra de teatro.

Desarrollamos una forma muy simple de decir las cosas que deja todo con un signo de interrogación: ficción o realidad, verdadero o falso, hasta el punto que estas dicotomías ya no importan”.

Laura Kalauz y Sofía Medici: Sobre las artistas

El trabajo de Laura Kalauz y Sofía Medici gira en torno a preguntas vinculadas a la rutina y los patrones de la vida contemporánea, con particular interés en la revisión de los supuestos que reglan el comportamiento social y nuestros modelos de comunicación. Sus proyectos adoptan la forma de lecturas performáticas, tours, performances participativas y piezas teatrales, que desafían las fronteras entre la realidad y la ficción.

El objetivo de su trabajo es generar una práctica artística que haga visible el potencial del arte como una herramienta capaz de cuestionar las normas morales, sociales, políticas y económicas de la sociedad contemporánea. En este sentido, desde su práctica artística desarrollan estrategias para intervenir y transformar estas regulaciones.

Laura Kalauz (Buenos Aires, 1975) estudió danza y Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. En 1998 emigró a Europa, donde estudió danza y performance con diversos maestros y se graduó como omo “Dance Maker” en la Hogeschoolvoor de Kunsten –Dansacademie Arnhem (Holanda). Desde entonces vive entre Zurich y Buenos Aires, donde trabaja como coreógrafa independiente presentando sus trabajos en distintos teatros y festivales. Colabora como performer  y dramaturga con los artistas Martin Schick, Krõõt Juurak, Nicolas Galeazzi, Simone Aughterlony, Marina Belobrovaja y Sofía Medici.

Algunos de sus trabajos son “Turist” (2005), “Multiverse” (2006) “Excuse me please could you choreograph me” (2007), “Do what you see, see what you do” (2009), “Numbers, names and love” (2009), “Título” (2009, ganadora del premio ZKB), „CMMN SNS PRJCT” (desde 2011 con más de un centenar de funciones en Alemania, Suiza, Austria, Argentina, Noruega, Francia, Inglaterra, Estonia, Italia, Bélgica, Holanda, Dinamarca, China y Sudáfrica) y ”SALVAJE”, en Buenos Aires, junto con Ignacio Sánchez Mestre y Jair Jesús Toledo.

Sofia Medici  (Buenos Aires, 1974) trabaja como directora, dramaturgista, curadora y productora de artes performáticas. Sus proyectos toman la forma de una conferencia performática, un tour o una video instalación y se ubican en los límites entre realidad y ficción.

Sus trabajos fueron presentados en la Bienal de Venecia 2015, II Bienal de Montevideo, DeSingel (Amberes), Cidade da Cultura (Galicia), Theater Spektakel (Zürich), Watermill Center (NY), Diskursfestival (Giessen), Casa Encendida (Madrid), C.C.C de Barcelona, CCRojas, CC Recoleta, CC San Martín, entre otros.

Es Licenciada en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires y en paralelo realizó estudios de dramaturgia, dirección y artes performáticas.

Participó en “Workingvisits” (Berlin Biennale, 2012), fue artista residente en Watermill Center (dirigido por Bob Wilson) en 2010, “Mobile Academy” (Varsovia en 2006, dirigida por Hanna Hurtzig) y Atelier07 (Festival Diskurs07, Giessen, Alemania).

Desde 2007 colabora con la dramaturga y directora Lola Arias en sus proyectos como dramaturgista y productora y desde 2013 trabaja en conjunto con Laura Kalauz en varios proyectos.