Jay Batlle, artista norteamericano inaugura en Sala MNBA Vespucio: Exposición Close for business

El artista estadounidense Jay Batlle (Nueva York, 1976), presenta del 9 de septiembre al 29 de octubre Closed for businesssu segunda exposición en la Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio.

En esta muestra Batlle expone una línea de trabajo que ha desarrollado desde el año 2008: los hábitos del gourmet como fuente de inspiración y comentario social.

Entre los años 2008  y 2016 el artista frecuenta restaurantes, principalmente en los Estados Unidos, Francia y el Reino Unido. Esta experiencia la plasma en una serie de pinturas y dibujos realizados en menús y artículos de papelería recolectados en los establecimientos. Así, articula un cuerpo de obras titulado Restaurant Stationery  que constituyen su serie más significativa hasta la fecha. En esta serie documenta los hábitos alimentarios peripatéticos del artista, el surgimiento de la comida como símbolo del consumo nómada y turístico en la última década.

Batlle, examina a través de medios como la pintura, el dibujo, la escultura y la performance, el abismo que la buena vida, el éxito, la fortuna y el placer tienen con la realidad.

La exhibición Closed For Business, comprende también la publicación de un catálogo monográfico editado por el Museo Nacional de Bellas Artes, que dará cuenta de los últimos 4 años de producción.

La obra de Jay Battle se ha exhibido en muestras individuales y colectivas en Asia, Estados Unidos y Europa. Luego de inaugurar en la Sala MNBA, se presentará, desde el 21 de septiembre, en el The Starving Artists’ Cookbook for the NY Art Book Fair, que se realizará en MOMA-PS1. Así mismo, participará en una exposición titulada Small Works en C A B I N, Dubái.

Jay Batlle nació en Syracuse Nueva York en 1976. Recibió su Licenciatura en Artes por UCLA – University of California, Los Angeles en 1998. Ha sido artista residente en De Ateliers en Amsterdam (1998-00) y Mana Contemporary en Jersey City, NJ (2014).

Recientemente el trabajo de Batlle fue presentado en el National Academy Museum de Nueva York en la exposición colectiva Self: Artist in Their Absence. Además ha exhibidos en  destacadas galerías y museos como: The Whitney Museum, The Chelsea Museum, The National Academy Museum,  Metro Pictures, Esso Gallery, Casey Kaplan, Nyehaus, Andrew Roth, Paul Kasmin, Feigen Contemporary, Thomas Erben, Exit Art y The Dorsky Gallery, todos en la ciudad de Nueva York. The Glass House Museum at Mana, Nueva Jersey; Roberts & Tilton Gallery y Blum & Poe Gallery en Los Angeles, California; El Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile; Galeria Impakto, Lima; The Ausstellungshalle Zeitgenössische Kunst in Münster, The Abteiberg Museum Mönchengladbach en Alemania; The Museum of Liverpool y The World Museum en Liverpool; De Ateliers, Amsterdam; Galerie Frank, Paris; Roza Azora Gallery, Moscu; Clages Gallery, Colonia; Galleria 1000eventi, Milan and Gallery Phillips de Pury en Dubai. Su trabajo esta incluido en numerosas colecciones publicas y privadas, destacando: The Hammer Museum, Los Angeles, California, Arthotek Museum, Colonia;  Soho House Group, Londres, Chicago, Estambul, Nueva York y Berlin;  2021 Foundation Nueva York y the Mana Contemporary Collection, Nueva Jersey.

Sala de Arte. MNBA Mall Plaza Vespucio.
Teléfono: 22586 32 32 / mnbaplazavespucio@gmail.com
Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida,
Metro
Estación Vicuña Mackenna, Línea 4
Estación Bellavista de La Florida, Línea 5

Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 hrs
Entrada Liberada

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tinta y #zen : EXPOSICIÓN SUMI-E DEL SUR

María José Inda y Danilo Canales exponen, en el Archivo Nacional, una serie de trabajos esta técnica de pintura japonesa a tinta, la cual que recoge la filosofía zen para lograr composiciones espontáneas y armónicas.

En el marco de la celebración de 120 años de relaciones diplomáticas entre Chile y Japón, hasta el 28 de septiembre, el Instituto Cultural Chileno Japonés  presenta en el Archivo Nacional la muestra titulada “Sumi-e del sur”, de María José Inda y Danilo Canales.

La exhibición reúne una serie de composiciones en las que los artistas por medio del dibujo monocromático en tinta retratan la fauna y el paisaje de Chile austral, revelando la espontaneidad, simpleza y armonía de este arte.

“Para aprender a pintar tuve que ir más allá de la pintura, debí asimilar la filosofía zen. Llegué al concepto wabi sabi, que es difícil de explicar, una definición podría ser “la belleza de lo imperfecto”. Al entender esa idea me relajé, y empecé a entender que no tenía que buscar una meta sino sólo hacer. Cada vez que dibujaba subía un escalón. El sumi-e no me dio una meta sino un camino”, comenta Danilo Canales, quien es diseñador gráfico, y desde más de 12 años es profesor de novela gráfica japonesa y sumi-e en el instituto.

En tanto, María José Inda, licenciada en Artes y Estética de la Universidad Católica de Chile, desde 2004, realiza en el instituto y en la ciudad de Concepción, donde reside, talleres de sumi-e y bunka (cultura y estética japonesa), especializándose en arte asiático gracias a dos becas del gobierno de Japón.

 

Materia y espíritu

El sumi-e llegó desde China a Japón en el siglo XII a través de monjes budistas zen, y creció en popularidad hasta su apogeo durante el Período Muromachi (1338 – 1573).

“Es un arte de pincel y tinta que integra la caligrafía, la poesía y la pintura, y que continua siendo una importante tradición cultural en el Japón contemporáneo”, explica María Cristina Pérez de Arce, directora ejecutiva del Instituto Cultural Chileno Japonés. Precisando que en nuestro país esta técnica “ha buscado su propio camino, tal como lo revela la exposición”.

El pintor utiliza un pincel de pelo fino y pinta a mano alzada, es decir, sin apoyar la muñeca en el papel. El pincel se sostiene de forma perpendicular al papel de arroz, entre el dedo índice y el pulgar.  Los trazos deben ser seguros, ya que en la espontaneidad y la agilidad del ademán reside la belleza de la línea, cuya temática es generalmente la naturaleza.

Se trata de una técnica que necesita de alta concentración para lograr el equilibrio, el ritmo y la armonía de la composición.

Talleres

Para quienes estén interesados en aprender sumi-e Danilo Canales  realizará cuatro diferentes talleres durante todos los miércoles de septiembre (6, 13, 20 y 27), a las 19 horas, en el Archivo Nacional, en Miraflores 50.

Los talleres están dirigidos a un público adulto, y no tienen costo, pero los cupos son limitados, por lo que los interesados deben inscribirse en el correo electrónico rrpp.an@archivonacional.cl

Autor de las imágenes publicadas: el fotógrafo René Díaz Sandoval.

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Artistas visuales expondrán sus obras durante seminario internacional de memoria y derechos humanos de #VillaGrimaldi

En el contexto del seminario internacional Crímenes de Lesa Humanidad y Terrorismo de Estado. ¿Existen garantías de no repetición? organizado por Villa Grimaldi en sus 20 años, se realizará la exposición de artes visuales Memoria, nuestra historia.

La muestra considera los trabajos de siete artistas chilenos. Dentro de ellos se encuentran Alejandro ‘Mono’ González, destacado muralista, integrante de la Brigada Ramona Parra, y cuyo mural Vida y trabajo se expone en la estación Baquedano del tren subterráneo de Santiago;  y Guillermo Núñez, Premio Nacional de Artes Plásticas 2007, quien a través de la pintura, el grabado, la serigrafía y el mural ha denunciado la violencia y destrucción humana.

También expondrán sus trabajos Carlos ‘Tato’ Ayress, artista visual y ex prisionero político en dictadura y que ha desarrollado, principalmente, su labor en Cuba; Alicia Lillo, que aborda el cuerpo femenino como su objeto central con la presencia de la lujuria y el poder en las sociedades actuales; Pepe Durán, fotógrafo que ha registrado desde la década de los setenta los distintos procesos políticos y sociales de Chile; Virginia Ayress Moreno, muralista urbana y fundadora del Taller Experimental donde trabaja con mujeres migrantes; y Norton Maza, quien ha explorado los contrastes socioculturales y políticos generados por la globalización.

El catálogo de la muestra explica el contexto de la exposición, e indica que tras el golpe cívico-militar “nuestra iconografía popular se vio enriquecida de realidades humanas. El arte en las prisiones, en las ollas comunes, en barrios tomados por la esperanza resistiendo al orden dictatorial, en los artistas comprometidos en la denuncia, en el largo camino iluminado por fogatas y barricadas con gritos rebeldes, en el sueño de un mundo para todos en libertad, justicia y verdad”.

La exposición se inaugurará el viernes 1 de septiembre a las 11:30 horas. Las obras estarán en exhibición los días 1 y 2 de septiembre en el Foyer 1 del Centro Cultural Gabriela Mistral, ubicado en Alameda 227, en los mismos horarios en que desarrolle el seminario.

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EXPO ACUARELA “ #PAMPA SALITRERA. NUESTRA MIRADA” #lascondes

El colectivo Taller de Acuarela Lea Kleiner, integrado por 25 artistas, todas mujeres, viaja a lugares patrimoniales para registrarlos bajo la técnica húmeda y en esta oportunidad trabajó sobre Humberstone y Santa Laura.

La muestra se presenta entre el 4 y 27 de agosto.

El célebre Taller de Acuarela Lea Kleiner -dirigido por la maestra radicada en Chile desde 1939, junto a Inge Schöbitz y Luz Maria Villarroel- trae al Centro Cultural Las Condes su último trabajo artístico: la exposición PAMPA SALITRERA. NUESTRA MIRADA se presenta entre el 4 y el 27 de agosto.

Se trata de un proyecto en que las 25 participantes del taller -todas mujeres- se trasladan en conjunto para registrar bajo la técnica húmeda los lugares designados como Patrimonio de la Humanidad situados en Chile. Ya lo habían hecho antes con Valparaíso y ahora es el turno de las oficinas salitreras Humberstone y Santa Laura.

Así, la muestra se constituye como una verdadera hazaña si consideramos que la acuarela, una de las técnicas más complejas de la pintura, es tan instantánea como la fotografía. Sólo bastan algunos minutos para que se seque y no admita correcciones posteriores. Eso, además de los largos meses de trabajo, que parten con los estudios en terreno y la investigación.

Es la propia Lea Kleiner quien explica cómo nació esta idea:

A fines del 2011 dimos inicio a un primer proyecto de exposición colectiva e itinerante, en torno a los lugares de Chile declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco: Valparaíso. Nuestra mirada”.

Y hace dos años dirigieron la mirada a las salitreras Humberstone y Santa Laura, dando así curso a este segundo y cautivante proyecto que se exhibe en Las Condes, ahora, desde la sutileza y profundidad del colorido de la zona calichera.

Las oficinas salitreras configuran un sitio patrimonial que conmueve a todos quienes lo visitan.Está allí, y con pronósticos de larga y saludable vida en manos de la conciencia colectiva que admira y valora el legado de cada espacio de trabajo, que era esfuerzo y pan diario. Cada vivienda que era un hogar, una familia, es un sueño que debe cautelarse y hacer perdurar por siempre, explica Kleiner.

Exponen Pelagia Aldunate, María José Alomar, Vivian Berdichewky, María Eugenia Bidegain, Jacqueline Blanchard, Gabriela Britzmann, Mariana Bronfman, Mercedes Calvo, Ana María Cisternas, Gracia Cosmelli, Nella Domjan, Paola Fernandino, Claudia García, Rosita Guzmán, Betsy Horsley, Mercedes Hurtado, Flavia Rebori, Johanna Reifschneider, Marta Viveros, Ute Von Schmieden, Maite Wainer y Érika Yañez.

Lea Kleiner Haas (1929, Zagreb, Croacia), pintora, grabadora y fotógrafa. Se radicó en Chile junto a su familia en 1939. Ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile en 1947, recibiéndose como Decoradora de Interiores en 1950. Fue profesora del Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Chile entre 1952 y 1997. Destacó su labor en proyectos destinados a estimular la creación y el estudio de nuevas técnicas. Entre 1960 y 1970, integró el grupo Taller 99 de grabado donde fue discípula de Nemesio Antúnez y Eduardo Vilches.

Fecha:           4 al 27 de agosto de 2017

Lugar:           Salas de Exposición

Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570

Teléfono:      22 8969819

Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Entrada:        Liberada

 

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EL “ETERNO RETORNO” DE JORGE MILOSEVIC #lascondes

El destacado pintor chileno presenta su última muestra de pintura en el Centro Cultural Las Condes. En ella, se aleja del paisaje para introducir la figura humana.

Ajeno a modas y retóricas, el pintor chileno Jorge Milosevic mantiene la práctica in situ e insiste en el desarrollo e investigación plástica, marginándose de cualquier contingencia política o social. El resultado de ese trabajo es ETERNO RETORNO, su nueva muestra de pintura, que se presenta entre el 7 y el 30 de julio en el Centro Cultural Las Condes.

En la serie, que por primera vez se presenta al público, el artista de la Universidad Católica introduce la figura humana a través de anónimos personajes surgidos de la calle, del taller, de su entorno. Se trata de una pintura honesta y directa que, por su espíritu romántico, podría compararse con los ejercicios lumínicos y coloristas de los impresionistas.

Sin música de fondo, ni atuendo multicolor, mucho menos pirotecnias digitales de circo moderno. Colores, pinceles, la tela. Incluso plantarse frente al natural. Milosevic, de hecho, retrocede al menos cien años cada vez que trabaja, para retomar el pulso creador de los impresionistas franceses, de Regoyos, de Vuillard. Milosevic no remeda, retoma. Así, su incontestable pericia factura expresiones de pintura pura, perfectamente contemporáneas. Cualquier amante del viejo oficio de pintar agradecerá sobremanera adentrarse en su obra”, señala el artista Pablo Salinas.

Sobre el tránsito de pasar de pintar paisaje e interiores a la figura humana, el propio Milosevich cuenta que el regreso a la modelo era un sueño esperado por 30 años. Primero hizo retratos y luego siguió trabajando el desnudo con modelos. “Esta mirada me acercó a la figura, su interior y nuevamente a la pintura. El Eterno Retorno, título de esta muestra, recoge la sensación de algo inevitable en la vida de un pintor, volcarse a lo humano”, explica.

Jorge Milosevic (1963) estudió licenciatura en Arte mención Pintura en la Universidad Católica de Chile, graduándose en 1985. Fue discípulo del pintor Gonzalo Cienfuegos.

Fecha:           7 al 30 de julio de 2017
Lugar:           Salas de Exposición Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570

Teléfono:     22 8969819

Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Entrada:        Liberada

 

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Museo de la Memoria homenajea a Carlos Prats

La exhibición es un proyecto del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, la familia Prats Cuthbert y el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Este homenaje al general Carlos Prats González se basa en sus textos manuscritos.

Este jueves 27 de julio a las 19:00 horas se inaugura en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos la exposición Acción Medular del artista Fernando Prats que busca rescatar tanto la dimensión ética como emotiva del general Carlos Prats, especialmente en los años inmediatamente anteriores a 1973. La exposición se basa en los gestos escriturales, en el trazo a mano de su pensamiento, en momentos en que realiza un gran esfuerzo por mantener el régimen constitucionalista en medio de un clima de polarización extrema en Chile.

En la escritura resaltan frases que marcan a esta obra, desde su evaluación de un posible golpe de Estado, el sufrimiento del pueblo, la responsabilidad que recaería sobre el Ejército y también aquella que se alinea con el título de la exposición:  “Un sentimiento de amor a la patria, que está en la médula”. Cita que refleja no sólo la devoción del general por Chile sino también el trabajo que el artista lleva realizando hace años con el concepto de médula ligado al paisaje y el territorio de Chile.

Para el Director Ejecutivo del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos Francisco Estévez V. “la figura del Gral. Prats destaca también por su gran formación humanista, la cual podemos conocer a través de sus memorias –elemento esencial de esta exposición- donde se muestra como él es uno de los mejores militares de la tradición republicana de Chile”

La obra Acción Medular trabaja con la noción de médula, como sustancia principal de la memoria. La exposición está compuesta por 1592 folios escritos a mano y que constituyen el original del libro de memorias escrito en Buenos Aires por el General. La redacción a mano concluye un mes antes de que fuera asesinado junto a su esposa, Sofía Cuthbert, en el barrio de Palermo el 30 de septiembre de 1974.

El artista Fernando Prats explica su trabajo: “cuando lees el manuscrito te das cuenta de que el general Carlos Prats tenía un profundo amor por Chile; me impresionó su sentido de lealtad, de respeto y la capacidad que tenía de dialogar con todo el espectro nacional. Su mayor dolor era darse cuenta que no era escuchado. El creía profundamente en que la Constitución era una herramienta suficientemente clara para solucionar los problemas del país. Y parte de la importancia de este proyecto es situar por primera vez, la figura del general Prats en el museo y que además, concluirá con un homenaje permanente en el acceso del edificio”.

Fernando Prats trabajó con los manuscritos dejados por el general Prats, ahumando las hojas, destacando palabras, símbolos y textos claves del periodo abarcado y que muestran una lectura posible desde la gestualidad del cuerpo, entre otras.

Para el Ministro de Cultura, Ernesto Ottone, “esta propuesta tiene una relevancia que más allá de la persona homenajeada, en este caso el General Carlos Prats, permite relevar desde una disciplina artística como las artes visuales, la memoria histórica de nuestro país”.

Una de las páginas correspondientes al día martes 11 de septiembre de 1973 es transformada en escritura luminosa, modelada en neón, que constituye el punto desde donde irradia luz que permite leer el conjunto total del manuscrito. Este es el texto:

“Pienso en la terrible responsabilidad que han echado sobre sus hombros mis ex-camaradas de armas al tener que doblegar por la fuerza de las armas a un pueblo orgulloso del ejercicio pleno de los derechos humanos y del imperio de la libertad.
Medito en los miles de conciudadanos que perderán sus propias vidas o la de sus seres queridos; en los sufrimientos de los que serán encarcelados y vejados; en el dolor de tantas víctimas del odio; en la desesperación de quienes perderán su trabajo; en la desolación de los desamparados y perseguidos, y en la tragedia íntima de quienes perderán su dignidad.”

Este homenaje al general Carlos Prats González se divide en dos etapas, la exposición y un memorial permanente que se instalará en septiembre próximo en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos. Es así como la médula pasa a ser por un lado, la escritura de puño y letra del general Prats, y por otro,  la tierra, el territorio nacional donde se perpetraron acciones de dolor y violencia hacia los chilenos.

EL ARTISTA

Fernando Prats nació en Santiago de Chile de 1967. Tiene una larga trayectoria internacional como artista visual, formado en la Escola Massana de Barcelona, la Universidad de Chile y luego, en la Universidad de Barcelona. Su obra se ha hecho conocida por las acciones o expediciones emprendidas en su mayor parte en Chile, entre ellas Gran Sur (2011), Acción Lota, acción Géiser del Tatio, acción Salar de Atacama, acción Mina a Rajo Abierto (todas 2006), Congelación, sobre el glaciar de Collins en la Antártida chilena (2002). Su trayectoria artística ha sido reconocida con diversas becas y distinciones, entre estas la Beca Guggenheim (2006-2007); artista residente en la Kunst-Station Sankt Peter Köln, Colonia, (2002-2003); Premi especial Pilar Juncosa y Sotheby´s (1994); VII Premi de Pintura Miquel Casablanca (1992). Ha sido galardonado con el Primer Premio Ciutat de Palma Antonio Gelabert d’Arts Visuals (2010). Ha participado en múltiples exposiciones internacionales. Representó a Chile en la 54 Biennale di Venezia, 2011; participó en la Mediations Biennale 2012, Polonia; la Trienal de Chile, 2009 y en la Exposición Universal del Agua, Zaragoza, 2008; Actualmente el Ayuntamiento de Barcelona ha encargado al artista la realización de un proyecto monumental en la Plaza Pablo Neruda de la ciudad. El proyecto gira en torno a la labor de acogida de los exiliados republicanos liderada por el poeta.

**El artista estará en Chile hasta el 31 de julio, disponible para entrevistas.

El CURADOR

Rodrigo Rojas Bollo, chileno nacido en Lima, 1971. Como curador ha trabajado con la obra visual de Raúl Zurita (2014-2015) y de Nicanor Parra (2014). Es editor del libro monográfico que abarca la obra del artista Fernando Prats (2016), además ha publicado los libros de poemas Desembocadura del cielo (Cuarto Propio 1996); Sol de acero (Cuarto Propio 1999); Grand Central (Foro de Escritores, 2005); Estrella de la mañana (Ed Garceta 2016) y el libro de ensayo La lengua escorada: la traducción como resistencia en cuatro poetas mapuche (Editorial Pehuén 2009). Como creador ha recibido la beca de escritura de la Fundación Neruda (1995) del Fondo del Libro (1999 y 2008) y el premio Juegos Florales Gabriela Mistral (1995). Como investigador ha recibido la beca Fulbright para estudios de postgrado (2001-2003), la beca Conicyt para los mismos propósitos (2005-2008) y ha sido investigador y evaluador del Fondecyt (2008-2010). Actualmente es coordinador de la Cátedra Abierta en homenaje a Roberto Bolaño en la UDP y profesor asociado de la misma institución.

DATOS EXHIBICIÓN:

Del 27 Julio al 24 de Septiembre 2017 / Martes a domingo de 10:00 A 18:00, Sala del Tercer Piso del MMDH

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FOTOGRAFÍAS RETRATAN LA HORA DEL TACO EN #SANTIAGO #gam

El tráfico de la Región Metropolitana inspira esta instalación fotográfica y sonora de los holandeses Roderik y Fay Henderson.​

Rush – La vida a la velocidad de la espera, es una exposición de carácter gratuito y estará abierta al público en la Sala de Artes Visuales de GAM hasta el 6 de agosto.

Cuarenta imágenes y una banda sonora sobre la vida dentro de un auto que no puede avanzar. En eso consiste, Rush – La vida a la velocidad de la espera una exposición sobre la hora del taco en Santiago de Chile que revela la dicotomía que presenta el uso del coche con respecto al espacio privado y colectivo en la sociedad.

La muestra investiga este lugar de encuentro por naturaleza, como son las calles, pero donde vivimos individualmente dentro de nuestros vehículos.

En el frío invierno canadiense, Rod Henderson se dedicó a observar los autos que se detenían en los estacionamientos y bencineras en las carreteras. Ahí fotografió a las personas que se abrigaban en sus autos durante el largo camino a casa. El resultado fue Transvoid, una serie de fotografías que ganó el primer premio de la categoría retratos del Word Press Photo 2010. Rush – La vida a la velocidad de la espera, es la continuación de ese proyecto, y esta vez, tomadas de la realidad santiaguina.

En distintas horas, con distintos climas, entre enero y junio de este año, Rod Henderson retrató a personas dentro de autos inmóviles en horas de alto tráfico en Santiago y sus alrededores. La exposición reúne 40 de esas imágenes, instaladas en cajas de luz, que incluyen entre retratos, detalles y paisajes urbanos.

Para la muestra, Fay Henderson creó un paisaje sonoro basado en los sonidos del tráfico, inspirado en frenos, máquinas y voces, que inundarán al público para sumergirlos en el día a día del automovilista: “Las grabaciones de audio del tráfico y los sonidos de la ciudad, son sólo materia prima para una composición, donde el sonido agudo de los frenos de grandes vehículos se convierte en canciones de mecánicos pájaros imaginarios, donde el tráfico registrado desde edificios altos se convierte en el retumbar de los ríos y donde las voces intangibles de las personas se transforman en un zángano subterráneo”.

“Me interesa revelar la dicotomía que presenta el uso de nuestros vehículos. En este proyecto los vehículos son revelados como dominios solitarios en el tiempo y el espacio, islas privadas de confort y tranquilidad en un mundo excesivamente agitado”, explica el fotógrafo holandés radicado en Chile.

Rod Henderson ha sido galardonado con el primer premio de la World Press Photo (2010) y el Sony World Photography Awards (2011), ambos en la categoría retratos. Su trabajo ha sido publicado en revistas y libros de todo el mundo y sus fotografías han sido expuestas en galerías y museos de Tokio, Nueva York, Ciudad de México, París, entre otras importantes ciudades.

Temporada: 5 Jul al 6 Ago
Horarios: Ma a Vi – 10 a 21 h / Sá y Do – 11 a 21 h
Sala Artes Visuales
Gratis

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ARCHIVO NACIONAL: OFICIOS Y PERSONAJES URBANOS DETRÁS DEL LENTE

Debido al interés del público, se extenderá hasta fines de julio la muestra que presenta imágenes de hombres y mujeres cuyas vidas han sido dedicadas a quehaceres y oficios que poco a poco van desapareciendo de la vida capitalina.

En el Salón Los Conservadores del Archivo Nacional, se exhibe, hasta el 31 de julio, la exposición “Hallazgo. Un Santiago desconocido”, que reúne 35 fotografías de estudiantes de la carrera de Fotografía del Instituto Profesional Los Leones (IPLL).

El título de la muestra alude al des-cubrir, al develar el trabajo y la vida de personajes urbanos. Como la etimología de la palabra lo expresa, hallazgo deriva del latín afflare que significa “echar el aliento a algo, olfatear”. En esta ocasión, ese aliento es el click de la cámara de estudiantes de la carrera de Fotografía del Instituto Profesional Los Leones.

Los retratos develan formas de vivir que –muchas veces heredadas– configuran existencias personales y familiares, pero también constituyen una memoria urbana y modos de sociabilidad. Los fotógrafos transitan por la capital y capturan un habitar diverso, con luces y sombras, evidente e invisible.

Al visitar “Hallazgos” el visitante conoce, por ejemplo, a José Luis Gómez, vendedor de diarios; Arturo González, florista; Rosario Pichun, anticuaria; Zacarías Norambuena, conserje; Rosario González, vendedora de mimbre; Pepe Ureta, sombrerero; Hernán Quezada, yerbatero, María Teresa Labbé, librera; Marco Yefi, costurero, y Francisco Moraga, vendedor de café, por nombrar sólo a algunos.

Los autores de las fotografías durante un semestre  –bajo la tutela del profesor Pepe Valdivia– recorrieron diversos sectores de la capital para descubrir una urbe que pierde poco a poco a algunos habitantes cuyos antiguos trabajos desaparecen en nombre de la modernidad, pero al mismo tiempo con perseverancia resisten a diario sus embates. En cada sector conocieron y entrevistaron varias veces a sus retratados, explicándoles los objetivos del proyecto, pero también una estableciendo con ellos una relación cercana.

Yasna Caces, una de las expositoras, expresa: “Esta exposición fue un desafío en la formación profesional, empapándonos del mundo que nos apasiona. Sin duda, nos enfrentamos a un nivel de exigencia que nos hizo crecer como fotógrafos y, más aún, como personas”.

La muestra tiene entrada liberada, y estará abierta hasta el 31 de julio, de lunes a viernes, de 09:00 a 17:30 horas, en Miraflores 50 (Estación Metro Santa Lucía, línea 1).

 

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Ministro Ottone inaugura exposición de afiches en homenaje a los 100 años de #VioletaParra

La muestra, que se exhibe en el Museo Violeta Parra, está compuesta por 36 afiches entre los que se cuentan los mejores exponentes de la convocatoria nacional organizada por Afichile junto al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), y siete piezas de artistas invitados, locales y extranjeros.

CRISTIAN GARRIDO primer lugar

Luego de este montaje, la muestra se trasladará a la Universidad Tecnológica Metropolitana, a la Biblioteca de Santiago y después a regiones, en el contexto del Mes del diseño, actividad coordinada anualmente por el CNCA en octubre/noviembre.

36 piezas componen la muestra de afiches en homenaje a Violeta Parra que se presentará hasta fines de julio en el Museo Violeta Parra, obras que son resultado del Concurso de afiches Violeta Parra 100 años, organizado por la Asociación (AFICHILE) y el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), en colaboración con la Universidad Tecnológica Metropolitana, Chile Diseño y la Fundación Violeta Parra.

La muestra está liderada por los tres primeros lugares de  la convocatoria: Gabriel Garrido (primer lugar); Gabriel Maragaño (segundo) y Diego Becas (tercero), destacándose también la mención honrosa que recayó en Camila San Martín. Un lugar importante ocupan además las piezas de los diseñadores invitados a participar en esta exhibición: el canadiense Andrew Lewis, Susana Machicao y Frank Arbelo de Bolivia y los destacados exponentes locales del cartelismo: Álvaro Arteaga, Domingo Baño, Héctor Calvo y Mono González.

El Ministro de Cultura, Ernesto Ottone R., encabezó la ceremonia, premiando a los ganadores, instancia en la que destacó la solidez de la tradición del afiche en nuestro país. “Los grandes nombres del cartelismo nacional han dejado un valioso legado en las nuevas generaciones, que son quienes han respondido a la invitación a crear en torno a la imagen de Violeta. En esta convocatoria recibimos más de 600 propuestas que dan cuenta de la vitalidad de la disciplina y de la poderosa convocatoria que genera la figura y el legado de Violeta Parra”.

Cristián Garrido, primer lugar con una propuesta que el jurado destacó como muy distintiva, contemporánea y fresca, obtuvo Mac Book Pro Retina 2016. Gabriel Maragaño, segundo lugar, recibió una cámara Sony Réflex y Diego Becas, tercer lugar, un iPad 2016.

La convocatoria, que se mantuvo abierta entre el 30 de enero y el 30 de abril, invitaba a participar a todas las personas, o grupos de personas, tanto de Chile como de cualquier parte del mundo, especialmente a artistas, diseñadores, fotógrafos y estudiantes; así como toda persona interesada en promover la obra de esta gran artista a través de la expresión gráfica. Camila San Martín fue reconocida con una mención honrosa.

Jean Paul Brandt, coordinador general de Afichile, relevó el rol de la iniciativa como vitrina para los talentos nacionales. “Son precisamente estos tipos de instancias donde el interés por la producción artístico-visual, a propósito del cartelismo, cobra un valor comunitario, social, que evidencia no sólo una serie de respuestas político-sensibles del acontecer, sino también una declaración contemporánea de cada artista. Por lo mismo, como organización estamos tremendamente orgullosos de cumplir con nuestro objetivo de funcionar como plataforma de difusión del cartel nacional y, además, como catalizador de jóvenes talentos”.

Seminario en torno al rol del afiche en Chile

 

En el marco de la conmemoración de los 100 años de Violeta Parra, Afichile, con el apoyo de la Universidad Tecnológica Metropolitana y el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, también ha organizado el seminario sobre el “rol del afiche en Chile”, tanto como medio de expresión a lo largo de nuestra historia, como en su forma más contemporánea de expresión, y su proyección en las sociedades modernas.

 

Para esto, se han programado una serie de charlas a cargo de connotados diseñadores nacionales apuntando desde su distinta óptica al análisis del cartel, su evolución y función en la sociedad.

 

El seminario se realizará el jueves 29 de junio desde las 9:30 hrs. en el auditorio de la Escuela de Diseño de la Facultad de Humanidades y Tecnologías de la Comunicación Social de la UTEM (Dieciocho 390).

 

Programa seminario

09:30 horas. – Bienvenida y apertura: José Azaharvich (UTEM) y Manuel Figueroa (CNCA).

10:00 horas. – Exponente UTEM: Waldo González.

10:30 horas. – Exponente Afichile: Mario Cárdenas.

11:00 horas. – Alejandro Godoy.

  •  – Café.

 

*Fotos: Natalia Espina (CNCA).

 

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LAS TENUES COMPOSICIONES DE LUIS EDUARDO LAMAS #exposicion #lascondes

“Espacio interior” se titula la muestra de pintura del artista chileno, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes.

ESPACIO INTERIOR se titula la nueva muestra de pintura del chileno Luis Eduardo Lamas, que se presenta entre el 2 de junio y el 2 de julio en el Centro Cultural Las Condes. Se trata de una serie de interiores que reflejan el personal imaginario del artista. Su naturaleza es aparentemente, pero en una segunda mirada se descubren los juegos cromáticos y compositivos que subyacen en coloridas composiciones.

Lamas pinta en su taller, sentado en su silla y rodeado de jarras blancas enlozadas, mesas y manteles de colores floreados, libros y decenas de fotos, que son precisamente los que recrea en sus obras. “Éste es su espacio interior, un laboratorio para probar fórmulas de colores, para combinar, y hacer que los objetos se unan, las frutas con las flores, y que se pueda improvisar sobre el lienzo. Al final, composiciones intimistas inventadas que le generan el disfrute armónico deseado”, señala el pintor Carlos Salazar.

 

Y agrega: “Lamas no está para romper o reinventar el arte, él sabe que todo lo hecho hasta ahora no termina allí. Debe continuar con el mismo postulado al enfrentarse cada nuevo día a la tela, a su oficio adquirido y a la oportunidad que las circunstancias le regalan, para entregar y perderse en el mundo de experiencias singulares a la plástica, vividas únicamente en su sagrado espacio interior”.

 

Luis Eduardo Lamas (Concepción, 1953). Desde muy pequeño sus inquietudes artísticas se manifiestan, estudiando posteriormente arte y diseño en el campus Lo Contador de la Universidad Católica de Chile. En esos años comenzó a relacionarse con artistas, lo que derivó en desarrollarse en el área de promover y difundir la obra de muchos de ellos. A los 45 años decidió dedicarse por completo a la pintura e instaló su taller en el barrio Bellavista. Allí ha desarrollado una prolífica obra y gestado encuentros permanentes con diferentes artistas, lo que lo llevó a formar la galería Salataller, que actualmente dirige.

Fecha:           2 de junio al 2 de julio de 2017
Lugar:           Salas de Exposición
Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
Teléfono:     22 8969800

Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Entrada:       Liberada

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