Llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: La Bailarina de Sonia Gómez #danza

La última obra del ciclo “Prácticas para estar juntas” se exhibirá este 22 y 23 de julio.

“La Bailarina” es un trabajo de proximidad entre el espectador y la artista que deja de lado los artificios que envuelven a la danza.

Sonia Gómez es la última artista española en presentarse en este ciclo que cuestiona y trabaja en torno a los objetos y el humor.

Luego de haber presenciado las obras de las artistas españolas Amalia Fernández, Cuqui Jeréz, María Jeréz e Idoia Zabaleta, llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: “La Bailarina” de la artista hispana Sonia Gómez.

La obra que comenzó a gestarse en 2014 y que se presentará en NAVE como un solo de 35 minutos, es el resultado de una investigación entre la proximidad de la artista con el público que busca no apoyarse de los artificios que enmarcan a la danza actual, ya que pretende ser una pieza que se pueda presentar en cualquier lugar, sin que el contexto sea una determinante.

Sonia Gómez se prepara en casa. En una habitación vacía y también en una sala de ensayo, la coreógrafa española busca, en un espacio inesperado sin los artificios de la luces y un suelo especial, crear un espectáculo íntimo donde las dualidades entre audiencia e intérprete, y el cuerpo y la performatividad se encuentren y confluyen.

En “La Bailarina”, el movimiento es el protagonista absoluto de todo y toda acción y voluntad giran en torno al deseo de moverse.

La pieza, un solo de danza para un público pequeño, está pensada para ser bailada en espacios que transmitan placer y empatía al intérprete y el espectador.

En esta nueva muestra de su pieza en NAVE, la artista vuelve a retomar los pasos que llevaron a la creación de la obra en sus orígenes. “La Bailarina” nace del prefijo auto, de la investigación en el movimiento y de algunas reglas para el intérprete.

Todos estos conceptos unido buscan construir el cuerpo como materia dramatúrgica el cual busca optimizar los recursos y el empleo del tiempo para que las ideas fluyan.

Sobre su paso por NAVE y sobre lo que busca generar como parte de su trabajo en el espacio la artista dice: “Busco poder generar, intercambiar y compartir el proceso Bailarina. La pieza que ha tenido varios formatos de reflexión ya que se ha compartido  invitando a otros artistas a hacer versiones de la pieza original y también se ha convertido en un Laboratorio [DANCERS], para seguir investigando con profesionales de las artes del cuerpo sin la necesidad de llegar a un resultado-pieza-producto. El laboratorio [DANCERS] comparte los principios de Bailarina con los participantes que pueden hacer uso y disfrute de las ochos pautas de movimiento que conforman la pieza original y utilizarlos a su antojo, cómo quieran y cuándo quieran”.

 


COORDENADAS

Fecha: 22 y 23 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de PICE y Acción Cultural Española, y Centro Cultural España.

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/466707477042850/

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Ya está abierta la convocatoria DenkTanz para creadores nacionales #DANZA #NAVE

Ya está abierta la convocatoria para coreógrafos nacionales DenkTanz, un programa para creadores chilenos organizado por Goethe-Institut Chile y CIM/AE –Centro de Investigación y Memoria de las Artes Escénicas–.

Esta vez, por tercer año consecutivo, Denktanz se propone como una residencia de investigación-creación en NAVE. Donde el foco se ha puesto en desarrollar una nueva temática, integrando la riqueza de los nuevos contextos socioculturales de las migraciones que actualmente integran nuestro territorio.

A través de esta convocatoria, se recibirán propuestas que aborden la creación desde temáticas en torno a la migración, donde el cruce entre danza y migración se articula como la premisa para el trabajo práctico, la generación de experiencias y la metodologías a proponer.

Para conocer más sobre cómo enviar tu proyecto entra a Convocatoria DenkTanz.

¡No te pierdas la oportunidad de desarrollar tu proyecto en NAVE!

*** CIERRE CONVOCATORIA 21 DE JULIO ***

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El bullying se reflexiona bailando en #gam

El coreógrafo Kike Faúndez dirige este estreno de danza sobre el bullying. Una obra que cruza técnica contemporánea y bailes urbanos, para intentar reflexionar sobre las causas y consecuencias del acoso escolar.

A Kike Faúndez le interesa hacer danza con contenido social. Debutó como director con Contra el tiempo, una obra sobre el estrés de la vida contemporánea. Y ahora vuelve con Qué pasa en la sala, un montaje sobre el bullying.

La obra intenta dar una mirada cinematográfica al acoso escolar, abriendo el problema fuera del colegio, mirando también el entorno familiar. ¿Por qué alguien abusa?, ¿por qué la víctima calla?,  son algunas de las preguntas que explora el montaje.

“Creo que casi todos vivimos el bullying de niños, ya sea como víctima o acosador activo o pasivo. Personalmente por mi tartamudez pude ser víctima, pero no deje que eso pasara. Pero es una realidad que las victimas pueden tomar decisiones fatales, y no entiendo cómo niños toman una decisión tan grave como el suicidio”, cuenta Faúndez.

El lenguaje de la obra es un cruce entre los estilos de sus intérpretes, porque algunos tienen formación en danza contemporánea y otros vienen del mundo del hip hop y bailes urbanos. Un cruce de estilos que también tiene Faúndez, porque pasó por el Bafochi, BANCH y Ballet de Santiago y ganó el reality Fama que Canal 13 transmitió hace 10 años.

Dirección Enrique Faúndez
Intérpretes Catalina Donoso, María José Riquelme, Nicolás Cancino, Diego Gonzáles, César Cisterna
Diseño sonoro Gian Franco Signorelli
Diseño de iluminación Kiko Fierro

6 al 22 Jul. 2017
Mi a Sá, 20 h

Edificio B, piso 2, Sala B1

$5.000 Gral
$3.000 Est. y 3ed.

Jueves de danza
$ 3.000
No acumulable con otras promociones.

$6.000 Gral. Internet
$4.000 Est. y 3ed. Internet

-20% y -30% gral. Club El Mercurio
2×1 gral. Membresía Profesores y Membresía BiblioGAM
2×1 gral. SIDARTE, ACHS, ADTRES y GESTIONARTE, SINATTAD

*Descuentos exclusivos para el valor general. No acumulables con otras promociones

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Consejo de la Cultura da el vamos al sexto Encuentro Coreográfico Sala Arrau #danza

La primera parte del ciclo, a realizarse este viernes 7 y sábado 8 de julio, contempla los montajes “Otro gallo cantaría”, dirigida por Gabriel Aragú, y la creación colectiva “Y ahora qué”.

Una invitación a empujar los límites de la zona de confort, es la propuesta del montaje “Y ahora qué”, creación colectiva a cargo de Carola Méndez, Nelson Avilés y Nachopeztaña; una de las dos obras que se exhibirán este viernes 7 y sábado 8 de julio en el marco del sexto Encuentro Coreográfico Sala Arrau, ciclo impulsado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) a través de su área de Danza.

Durante las dos jornadas, a realizarse en el Municipal de Santiago, Opera Nacional, se presentará también la pieza de flamenco-danza el “Otro gallo cantaría”, de la compañía Triana, que indagará en las etapas del espíritu de Nietzsche: camello, león y niño.

En esta última se incluirán los polos presentes en el humano: por un lado el yogui o espiritual, y por otro el ególatra, sexual y egoísta. El espectáculo se configura como una invitación a la toma de consciencia y reconocimiento de la propia etapa que atraviesa el espectador. “El público se encontrará con una propuesta de flamenco-danza con 11 artistas en escena, que a través de una propuesta tradicional en el aspecto público-artista, podrá identificar en qué etapa de la vida se encuentra actualmente”, dijo el director de la obra, Gabriel Aragú.

Por su parte, la compañía Danza Contemporánea a cargo de la pieza “Y ahora qué”, aseguró que: “Estamos en un momento de posibilidades, de agote de una forma de vivir, pero también de esa incertidumbre de lo que está por venir. Entonces, queremos imaginar esas posibilidades, no caer en la inmovilidad de la incertidumbre, sino en su posibilidad de accionar algo nuevo. Vamos a apelar a una forma diferente de relacionarnos, distinta de la relación de consumo, de las relaciones de tipo utilitarias o individualistas, queremos proponer un acento en el cariño, en el respetarnos y en el comunicarnos”.

El encuentro de danza se desarrollará en el Municipal de Santiago, Opera Nacional, ubicado en Agustinas 794, a las 19.30 horas. Valor de las entradas: $4.000.

En 2012, el Área de Danza del CNCA y el Municipal de Santiago, Opera Nacional se unieron por primera vez en una cruzada por el desarrollo de la danza nacional con la organización del Ciclo de Danza Creación en Tiempo Real. Luego, el 2013, ambas instituciones dieron nuevos y decisivos pasos con la realización entre mayo y agosto del primer Encuentro Coreográfico Sala Arrau, una plataforma que ha permitido dar visibilidad a las creaciones de trece coreógrafos chilenos.

 

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Continúa el ciclo Prácticas Para Estar Juntas con “Mantra Vida” de Idoia Zabaleta #nave

En el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas, llega a NAVE la 4ta obra que compone este encuentro lleno de humor entre 5 artistas hispanas y sus creaciones.

En esta ocasión, Idoia Zabaleta mostrará Mantra Vida, una serie de solos inspirados en la figura de Antonia Merced, conocida como La Argentina, bailarina española víctima de la guerra civil española.

NAVE abre su programación de julio con la obra de la artista española Idoia Zabaleta, Mantra Vida, 4ta obra en llegar al espacio en el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas; un encuentro lleno de humor donde 5 artistas hispanas presentarán obras y creaciones que han pasado por una serie de países y festivales.

Mantra Vida nace como un encargo para el proyecto “Envoltura”, comisariado por Isabel de Nacerán e iluminada por David Alcorta, y que evolucionó en un proceso de investigación y creación de una serie de solos en torno a las circunstancia de la muerte de la bailarina Antonia Merced, conocida como La Argentina, el 18 de julio de 1936.

En sus primeros pasos, la artista se enfrentó a la figura de la bailarina a través de “Envoltura”, un recorrido por varias escenas inspiradas en la idea de síncope como movimiento corporal e histórico encarnado en la figura de la bailarina Antonia Merced (1890-1936) quien murió sorpresivamente cuatro horas después de enterarse del alzamiento de las tropas franquistas y el inminente inicio de la Guerra Civil.

La muerte de La Argentina resultó significativa ya que fue la primera artista condecorada por el Gobierno Provisional de la Segunda República Española.

Pese a la fuerza y connotación que tiene la vida e imagen de La Argentina, Mantra Vida se convierte en una pieza que se conforma a partir de una serie de solos que hacen eco a “Envoltura”, pero que buscan convertirse en un melodramático canto a la vida o una máquina de producción y distorsión de la vida. O a lo mejor en un acople de vitalismo y patetismo en un tiempo indefinido.

De esta forma, Mantra Vida hace un cruce entre el fuerte impacto de la Guerra Civil y la irrupción del franquismo con la serie “Top Mantras” que para la coreógrafa, son formas de entrar que funcionan como instrumentos mentales para la iluminación, como palabras aplastantes para la oración, como vibraciones elementales para la creación.

Se propone a partir de la obra, una experiencia contemplativa, donde el espectador ideal para esta sería una persona que al igual que en un concierto, no teme aburrirse, ni teme verse pensando en otras cosas, en otras dimensiones en otros planetas y tampoco teme mirar a su lado y darse cuenta que hay otras personas mirando lo mismo, o quizás no, pero si que está respirando a compás y que, hasta, a lo mejor quieran darte la mano.

Biografía de la artista

Idoia Zabaleta (1970, Vitoria- Gastéis). Es coreógrafa especializada en ecosistemas y dinámica de poblaciones en la Facultad de Biología. Estudió nueva danza e improvisación en Barcelona, Florencia, Amsterdam y Nueva York. Trabajó con la compañía Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 coproduce y crea su propio trabajo, colaborando con otros artistas e investigadores como Isabel de Naverán, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini, Ixiar Rozas, Sofia Asencio, entre otros.

COORDENADAS

Fecha: 30 de junio y 1 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas o en preventa@nave.io (Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

 

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Coppelia, el #ballet más divertido del año, regresa al Teatro Nescafé

Tras el enorme éxito de “El cascanueces” y “La cenicienta”, regresa a pedido del público el ballet más divertido del año bajo la dirección de Sara Nieto, y gran elenco, para que grandes y chicos nuevamente vivan una experiencia inolvidable estas vacaciones de invierno.

Teatro NESCAFÉ de las Artes tiene el orgullo de presentar el regreso, por el éxito, de una nueva y divertida versión del clásico para toda la familia, “Coppelia”, desde el jueves 20 de julio.

Luego del enorme éxito de público y crítica con “El cascanueces” y “La cenicienta”, la ex primera bailarina estrella, la uruguaya Sara Nieto, presenta su entretenida versión del clásico ballet junto a los primeros bailarines Naomi Escobar –gran revelación de la danza nacional en 2016-, Isabel Barra, María Luz Pérez, Lucas Siqueira y Ederson Teaiva, además de gran cuerpo de baile con 30 bailarines profesionales.

La historia presenta al juguetero Coppelius, quien guarda en su casa varios muñecos de tamaño humano que intrigan a su aldea, en especial a la traviesa Swanilda, quien suplanta a una de las obras preferidas del artesano, Coppelia, para en esta versión comportarse no solo como una muñeca, sino bailar para asombro de su creador, y también del público.

“Coppelia” –basada en la obra de E. T. A. Hoffman “El hombre de arena”- se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de Paris y se convirtió de inmediato, gracias a su deslumbrante despliegue de danza clásica, danza de carácter y pantomima, en un clásico del ballet sentimental y cómico de todos los tiempos.

“Resonante éxito…deslumbrante despliegue de danza clásica, danza de carácter y pantomima, en un clásico del ballet sentimental y cómico de todos los tiempos.”. BIO BIO CHILE.

“Son muchos los aciertos que hacen de este montaje algo admirable y elogiable…creatividad enorme, ágil y moderna” LAS ULTIMAS NOTICIAS.

“un espectáculo destinado a encantar a toda la familia, entregando las dosis justas de humor, en particular en el brillante segundo acto; es sorprendente observar a los niños tan compenetrados que ríen de buenas ganas, con las peripecias de los muñecos en la casa de Coppelius.” VISIONES CRITICAS.CL

“Los bailarines sorprenden por su destreza y limpieza técnica, así como también por la interpretación de sus personajes. Swanhilda y sus amigas entretienen especialmente al público infantil, que disfruta con sus travesuras.” MARIETTA SANTI, crítico de danza.

Ficha artística:

Música: Léo Delibes.
Coreografía: Sara Nieto.
Escenografía: Salvatore Pellizzari.
Vestuario: Ruth Provoste.

Espectáculo dirigido a niños mayores de tres años.

Ballet Teatro NESCAFÉ de las Artes: “Coppelia”

Fechas y horarios: Jueves 20, viernes 21, sábado 22 y domingo 23 de julio.

Horario: 20 horas. Sábado 16:00 y 20:00 horas.

* Precios generales: 12.000 a 25.000 pesos.

* Precios niños (3 a 10 años): 5.000 a 10.000 pesos.

Ventas: en boleterías del teatro y por Ticketek.

Consultas: al 2236 3333, anexo 109.

*Este evento tiene los descuentos del Club de Lectores de El Mercurio:

20% presentando la tarjeta.

30% pagando con la tarjeta.

 

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BALLET NACIONAL CHILENO HOMENAJEA A #VIOLETAPARRA CON NUEVA OBRA

Viola Volcánica es el nombre de la obra que se presentará en el marco del segundo ciclo 2017, la que se estrenará el jueves 22 de junio a las 20 horas en el Teatro Universidad de Chile.

Seis funciones a partir del 22 de junio son las que ofrecerá el Ballet Nacional Chileno en el marco de su ciclo denominado “Mujeres Ícono”, donde se presentará una nueva creación a cargo del coreógrafo Joel Inzunza Leal, titulada Viola Volcánica, obra inspirada en la figura de la multifacética artista chilena, Violeta Parra, cuando se conmemoran 100 años de su natalicio.

“Desde la invitación me plantee como desafío el conseguir una metodología de investigación y luego establecer una metodología para el proceso creativo y coreográfico”, comenta Inzunza respecto de cómo ha llevado a cabo el trabajo en torno a esta nueva propuesta. “Entonces aposté por generar entrevistas y a través de ellas comencé a darme cuenta de una necesidad personal de reconocer y acercarme a Violeta Parra desde un lado humano, y sobre todo de mujer”, agrega.

Explica así que “hay una construcción sensible y poética que a mí me hace trasladar a la Violeta a una geografía muy chilena, y desde ese punto de vista me interesa abordar la obra también desde un paisaje coreográfico”. De este modo, puntualiza que para ello trabajó junto al músico nacional Claudio Clavija, quien creó composiciones especialmente para la obra, con la que genera atmósferas y paisajes que hacen referencia al mundo emotivo de Violeta Parra, si bien aparecen “algunos tintes musicales” de la artista.

La obra cuenta además con un equipo multidisciplinario compuesto por Gonzalo Velozo en escenografía, Andrés Poirot en iluminación, Ignacia Peralta en diseño de vestuario y Carolina Vergara en la realización de este último.

Peralta, quien además es parte del reparto que da vida en escena a la obra, comenta también que “lo que ha tratado de mostrarnos Joel tiene que ver más con el universo emocional Violeta. Si bien su música puede acompañarnos por momentos, más que su obra, estamos tocando lo humano de su presencia, de su sentir”, añadiendo que para lograr este objetivo el trabajo “Ha sido intenso, porque es como entrar en un espacio que es quizás más desconocido”.

De este modo, Viola Volcánica no es una representación de la vida y obra de la compositora, poeta y artista visual, sino que se alimenta de hitos cronológicos y temporales en torno a su vida, para destacar conceptos como la muerte, el amor, el dolor y pasión, ejes en los que se basa el coreógrafo para plantear un espacio de manifestación humana y artística, a partir de la danza contemporánea.

La obra, que será estrenada el jueves 22 de junio, contará con funciones también el viernes 23, sábado 24, jueves 29, viernes 30 y sábado 1 de julio, todas a las 20:00 horas en el Teatro Universidad de Chile, con un valor general de $8.000 y descuentos de hasta 40% para estudiantes y adultos mayores, entre otros.

CUÁNDO: Junio / Jueves 22, viernes 23, sábado 24, jueves 29, viernes 30.
                     Julio / Sábado 1.
Todas las funciones a las 20 horas.
DÓNDE: Teatro U. de Chile (Metro Baquedano).
PRECIOS: $ 8.000 valor general.
40% dscto. para estudiantes, tercera edad y funcionarios U. Chile.
30% dscto. socios Coopeuch y pago con tarjeta Club de Lectores El Mercurio American Express (20% dscto. presentándola).
Descuentos válidos sólo para compras en boletería.
ENTRADAS: En boletería o por ticket.dale.cl 

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La desilusión política llega a NAVE con Medelei, soy brasileño (etc) y no existo nunca #danza

A partir del slogan “Yo soy brasileño y no me rindo nunca” del gobierno de Lula da Silva, el coreógrafo Cristian Duarte reflexiona sobre el nacionalismo y el cliché de las políticas de estado.

Mediante el humor la pieza indaga en la Ideología contenida en las campañas publicitarias de la televisión.

La obra creada en 2006, aborda la desilusión nacional, la misma que abre el interés de la población en la política, situación que renace en la indignación del presente.

La campaña televisiva de Lula llamada “Soy brasileño y no me rindo nunca” es transformada por Cristian Duarte a “Soy brasileño (etc) y no existo nunca”, subtítulo de Médelei, una reversión del slogan que marcó una generación de jóvenes brasileños. Los mismos que hoy yacen desilusionados de la política gubernamental.

“Médelei” es la versión brasileña de la palabra inglesa “medley” que significa mezcla o selección ininterrumpida de cosas o partes mezcladas armónicamente, como un popurrí. Palabra que fue referencia para esta investigación sobre el movimiento y comportamiento, permitiendo indagar en nociones, repertorios y apropiaciones entorno a la identidad brasileña. Así, poniendo de relieve la cuestión identitaria en tiempos de corrupción, esta obra nos invitará a cuestionarnos nuestra propia condición y participación en el contexto cultural.

Como base teórica para el montaje se utilizó el libro “En busca de Espinosa: placer y dolor en la ciencia de los sentimientos” del neurocientífico portugués Antonio Damasio. “Este libro explica científicamente la emoción y los sentimientos, así como la relación intrínseca entre ellos y, por lo tanto, desmitifica la idea cliché de que emoción y sentimiento son entidades que están fuera del cuerpo y que no pertenecen a la razón” dice Duarte. ”Este mecanismo de transformar lo particular en universal es peligroso, pues excluye todo lo demás, excluye la diversidad” aclara. Sería peligroso, en ese sentido, creer que la danza Odissi es representativa de India, el Butoh para Japón o la Samba con Brasil. La universalización es peligrosa, propone el coreógrafo, pues borra todo lo que queda fuera de ese recorte.

Cuestionando por tanto, el slogan panfletario, Duarte discute el cuerpo como mecanismo que transforma lo particular en universal, desmoralizando los discursos identitarios y las concepciones nacionalistas desde el cuerpo como soporte. Para esto, su equipo de baile desafiará su adaptabilidad frente a diferentes referencias culturales a la misma velocidad con la que se cambia una estación de radio.

Cristian Duarte (Sao Paulo, 1974) es bailarín, coreógrafo y director. Su trabajo como ha sido presentado en Brasil e internacionalmente en países como Suecia, Singapur, España, Alemania, Holanda, Francia, Inglaterra, Portugal, Bélgica, Uruguay y Chile. Entre ellos están “Ó” (2016) también presentada en NAVE, “Biomashup” (2014), The Hot One Hundred Choreographers (2011) y otras. En 2015 creó contra el actual, Glow (2015) para el Cullberg Ballet en Estocolmo, Suecia, donde fue también profesor y coreógrafo invitado por la DOCH – University of Dance and Circus en 2013 y 2015.

COORDENADAS
Fecha: 17 y 18 de junio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de Ibersecena 2017 y Fondart Regional 2017.
>>> La presentación del espectáculo “Médelei- Yo soy brasileño (etc) y no existo nunca-” y el laboratorio “¿Qué está realmente aconteciendo cuando algo acontece?” cuenta con el apoyo del Lote#5 -en mantención- proyecto contemplado para la 21º Edición del Programa Municipal de Fomento a la Danza de la ciudad de Sao Paulo.

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Seminario Policuerpos caminando en un solo cuerpo #danza #pcdv #valparaiso

Los Cuerpos que Habito, montaje de danza contemporánea se desarrollará los días  jueves 8, viernes 9 y sábado 10 de junio y pretende acercar  la disciplina del movimiento entendida como un  ejercicio sobre la Imagen del cuerpo y el Esquema corporal.

El destacado artista, investigador y profesor de Danza, Luis Corvalán Correa, trae el Parque Cultural de Valparaíso la obra “Los Cuerpos que Habito” montaje que reflexiona en torno al concepto Cuerpo, desarrollando un interesante resultado de la obra al generar un lenguaje artístico propio.

“Es un ejercicio escénico que plantea una búsqueda en la construcción de un lenguaje que contiene al cuerpo y la madera como materias fundamentales. Desde estos conceptos nos aproximamos a la imagen de la crucifixión de Cristo y la corporalidad que presentan algunos de los cuadros del Renacimiento que representan esta escena, encontrando similitudes latentes entre ese cuerpo representado en las pinturas y la sensación de placer que algunas de estas nos muestran” nos comenta Corvalán.

La obra surge después de un estudio reflexivo sobre la conceptualización de “Cuerpo” que presenta el filósofo francés Michel Bernard en su obra “Le Corps”,  a lo que se suma un exhaustivo estudio del equipo de investigación que fue dando forma a esta interesante propuesta coreográfica.

 

Fue así como esta pieza artística  puso en primera línea el desarrollo de los conceptos de Sacrificio y Placer, desde donde se logró llevar a lo concreto “una materialidad que nos ha permitido indagar principalmente en registros de imágenes que nos llevan a ambos lugares y que en nuestro proceso se ponen de alguna manera en diálogo poniendo en cuenta la dicotomía que enfrentan los cuerpos y de ahí el nombre de la obra” sostiene el artista.

El montaje, que se presenta como una construcción corporal vinculada a lo social, contextual e histórico que va cambiando según el lugar y época en particular que se habita, se presentará en el Teatro del Parque Cultural los días jueves 8 y viernes 9 de junio a las 20:00 horas con una entrada general de $2.000.

 

Seminario en Ciclo RSVP

La CREACION en danza Contemporánea, según el Ciclo RSVP , lleva por nombre este seminario que es un proceso abierto a todo tipo de intérprete-creador o coreógrafo que tenga interés en ampliar o conocer este método desarrollado por Anna Halprin y creado por el destacado paisajista Laurence Halprin.

“El seminario es de orden teórico-práctico, en donde invitamos a realizar una reflexión sobre este método de creación. Durante los tres encuentros de estudio viajaremos a una primera instancia de sensibilización corporal abierta a distintas experiencias corporales. En un segundo momento, entraremos en la exploración y compresión del Ciclo RSVP, para finalizar  con ejercicios creativos de los participantes a partir del material entregado” nos indica el artista.

El seminario se llevará a cabo durante tres días a partir del jueves 8 de junio y se realizará entre las 11:00 y las 14:00 horas. En cuanto a los valores  el precio general es de $15.000 y $10.000 para los miembros del Sindicato de la Danza, cupo máximo para 15 personas.

Info e inscripciones en: luiscorvalancorrea@gmail.com

De Luis Corvalán Correa

Ingeniero Mecánico de la Universidad de Santiago de Chile. Licenciado en Ciencias Humanas y Sociales, mención en Antropología, en la Universidad de Lummier Lyon 2. Máster en Artes, con finalidad en Investigación, mención Musicalidad, Especialidad Danza, en la Universidad de Paris VIII, Saint Denis.

Desde el 2000, comienza a trabajar como intérprete con diversos coreógrafos y directores teatrales chilenos, entre ellos, José Luis Vidal, Marisol Vargas y Amílcar Borges. Luego viaja a Francia, a la ciudad de Montpellier y trabaja en la Compañía R.a.M.A, dirigida por Fabrice Ramalimgom. Posteriormente en París trabaja con la compañía Le Gent D’Uterpan, dirigido por los coreógrafos Frank Apertet y Annie Vigier.

El 2004 dirige su primera obra, PHISYS, Observando la física Clásica, con apoyo FONDART. El 2006 vuelve a Francia becado por el Instituto Chileno Francés para desarrollar un proyecto de creación en el Centro Coreográfico de Montpellier, dirigido por Matilde De Monier. Luego en Lyon realiza la formación Del Intérprete al Autor, en el Centro Coreográfico Nacional de Rillieux-La-Pape, dirigido por Maguy Marin, donde crea un solo PPP (Proyecto Power Points), entre otras obras.

Como docente e investigador desarrolla proyectos desde el año 2009: proyecto itinerante Poéticas de Las Ruinas (Francia, Rumania, Croacia, Bulgaria); proyecto Seraphin investigación (Francia, Argentina, Chile). Director del Programa de Investigación Teórico Práctico en Artes Coreográficas, PIT PAC. Desde el 2013 es el coordinador docente del Programa de Formación en Artes Escénicas en la ciudad de Concepción.

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“Accidental” TRES CUERPOS Y UN ACCIDENTE #danza #pcdv #valparaiso

Esta obra de artes escénicas presenta la relación entre tres cuerpos en una declaración de intenciones y una voluntad de resistencia como adaptación y auto- organización. Solo por el hecho de estar, fue imprevisto, pasó y ya está, sin más y sin menos, de forma Accidental.

Este viernes 19, sábado 20 y domingo 21 de mayo a las 19:00 horas, se presentará en la Sala Estudio del Parque Cultural el montaje “Accidental” que, con la dirección de Vanesa “Pita” Torres, plantea en escena una interesante forma de expresión a través del movimiento.

 

“Elegimos trabajar  la improvisación y  el contacto como investigación a un nuevo lenguaje,  donde hay una mayor  autonomía  para tomar decisiones dentro de la escena, y eso nos parece riesgoso ya que te lleva a lugares muy difusos y te deja transgredir” indica la directora de la obra, Vanesa Torres.

Accidental  nace de un proceso de creación de más o menos un año con residencia en el Parque Cultural de Valparaíso, junto  a Jairo Urtubia, Claudio Díaz y Marco Zambrano.  El gran disparador fue una situación real que quedó en el  archivo de la memoria y que siguió sucediendo, un accidente. Esta propuesta pretende proyectar en el público la urgencia, la idea de resistir e insistir para sobrevivir, percatarse que constantemente estamos entre la vida y la muerte.

Cuerpos individuales y colectivos que se entrelazan en la obra, que apuntan con esta relación a un encuentro entre estructuras, hechuras o figuras “comienzan aparecer primero los cuerpos individuales ya afectados, agitados, no organizados, donde actúan sin conciencia. En el encuentro arman una colectividad para restablecer, para reconciliar a otro cuerpo, uno que no está en escena. Estar los unos con los otros, pensar que somos imprescindibles, amoldarnos  para generar una estructura firme donde no hay posibilidad de abandono, si nos distanciamos hay un cuerpo que muere” manifiesta la Pita Torres.

Accidental presenta al público una historia que se desarrolla a través de una incidencia, una tragedia, que ocurrió fuera de lo acostumbrado, establecido o previsto, y constantemente sigue siendo imprevisto. Como estos cuerpos superan y se reactualizan constantemente  para  poder sobrevivir.

Accidental

Pita Torres

Viernes 19, sábado 20 y domingo 21 de mayo

Sala Estudio, Parque Cultural de Valparaíso / 19:00 horas

Entrada general: $2.000.