La experimentación contemporánea francesa llega a NAVE con “Époque” #danza

A partir de las danzas de mujeres del siglo XIX y XX, los artistas Volmir Cordeiro (BR) y Marcela Santander (CL) presentarán Époque en NAVE.

La pieza, a partir de gestos y escritos, busca resignificar la danza contemporánea a partir de distintas emocionalidades y lógicas.

La obra creada en 2016 ha pasado por distintos festivales, recientemente por el festival DañsFabrik de danza contemporánea en Brest, Francia.

En los años ‘20 fue Valeska Gert, la bailarina alemana-judía y artista de cabaret quien rompió con los paradigmas de la danza a partir de su pieza “Pausa”, un reel presentado en los cines de Alemania donde la artista frente a la audiencia, inactiva y estática, se sumergía al interior del caos y la desesperanza de la guerra.

Ya para la Segunda Guerra Mundial, fue la artista Joseph Baker quien desafió los límites de la sexualidad y el cuerpo para generar un discurso político tanto contra la guerra como en pro de los derechos civiles a partir de espectáculos que fueron prohibidos en distintos lugares.

En los años ‘90 fue Johnattan Marshal quien logró verbalizar lo que el creador japonés vio en la figura de la bailarina Yoko Ashikawa: “Takeshi se dio cuenta en 1991, de la intensa, meditativa y minimalista lentitud de Ashikawa en la versión de butoh, ‘esto se ha convertido en algo religioso… ha alcanzando un mérito artístico al marginarse de la sociedad’”.

Pese a que Volmir Cordeiro nació en Brasil y Marcela Santander en Chile, ambos estudiaron en Francia y se conocieron en el Centre National de Danse Contemporaine – Angers, y comenzaron a trabajar en conjunto lo que dio pie a esta investigación artística en torno al discurso y la vida de artistas mujeres subversivas desde el siglo XIX hasta fines del XX para transformarlos en gestos nuevos inspirados en danzas compuestas por el éxtasis, el goce, la subversión, la lascivia, el horror, la extravagancia, la dicha.

En la obra Époque, Cordeiro y Santander comparten el escenario uno al lado del otro para dar vida y resignificar un inventario de las danzas de mujeres como Valeska Gert, Josephine Baker, Vera Mantero, Lâtifa Labissi, Ashikawa, Gina Pane, Anita Berber, entre otras, quienes cuestionaron una cierta forma de representar gestos deformes y subversivos para ser capaces de desarrollar un cierto proceso de transgresión.

Esta es la primera vez que los artistas presentarán su pieza en Chile el próximo sábado 19 y domingo 20 de agosto en el centro de creación y residencia NAVE. Sobre la pieza los artistas dicen: “Époque no se refiere a una categoría cronológica sino más bien a una cualitativa en la cual, elementos de interpretación son puestos en juego para activar una historia íntima y viva, tal vez perdida u olvidada en el pasado simbólico de su recorrido como bailarines-intérpretes”.

AFICHES OTRO SUR- ÉPOQUE

COORDENADAS


Fecha
: 19 y 20 de agosto
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de Instituto Chile Francés de Cultura, Ibersecena 2017 y Fondart Regional 2017.

 

Información sitio web: http://nave.io/programacion/epoca/

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/102626723781857/

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NAVE estrena la obra CENIT de la artista local Loreto Caviedes #danza

CENIT comenzó a gestarse en 2015 por la artista local Loreto Caviedes durante su residencia DenkTanz y que continuó desarrollándose en el espacio a la fecha.

La obra se inspira en la pieza española ZENITH creada por María Campos y Guy Nader en 2012 en Barcelona.

La pieza se presentará el 12 y el 13 de agosto, y es un ejercicio que cuestiona el archivo y su potencial creativo.

 

El próximo fin de semana 12 y 13 de agosto en NAVE se estrenará la obra CENIT de la artista chilena Loreto Caviedes, quien a partir del archivo como sujeto de creación y experimentación, creó un ejercicio escénico que se concibe como una investigación basada en la obra de danza contemporánea ZENITH, creada hace cinco años en Europa.

La pieza original fue creada por por María Campos y Guy Nader en 2012 en Barcelona y Caviedes tuvo como única aproximación a la obra original un tráiler encontrado en Youtube (3 min.) y posteriormente una entrevista vía Skype con sus creadores.

Parte de la metodología de trabajo y aproximación a la obra se basa en el valor del archivo y como la experimentación que conlleva el trabajo realizado gira en torno a este concepto y el cansancio. Este juego lleva de esta manera a la artista a interrogarse ¿cómo se elabora un archivo de una pieza de danza que no se ha visto? y ¿qué soportes pueden documentar la obra?

A partir de la entrevista a los autores de ZENITH se dedujeron los conceptos y técnicas empleados en ella: tiempo, ritmo y péndulo. Luego, se creó una coreografía lo más fiel posible al original.

En esta creación la artista local busca someter al cansancio el archivo construido de la pieza y la tarea física propuesta en él, para repensar las implicancias que tiene la elaboración de un archivo de una obra de danza europea desde nuestro continente, considerando que siempre ha sido Europa el lugar de producción hegemónica del saber.

Respecto de la obra, la artista seleccionada dentro de la Convocatoria Nacional Artes Vivas explica que la interpretación siempre traicionará al original, pero al mismo tiempo develará otras posibilidades compositivas y discursivas acaso contenidas en él.

Sobre el proceso de creación que dio inicio tras haber sido seleccionada a través de la convocatoria DenkTanz impulsada por NAVE, la artista dice: “La motivación se vincula con la necesidad de desarrollar una investigación teórico-práctica cuyo soporte central sea el cuerpo. Desde esta perspectiva, la temática del archivo me parece interesante, sobre todo para dejar de pensarlo como receptáculo de memoria sino como instrumento que permite reflexionar sobre la propia práctica. En esta última etapa de investigación, me motiva entrar más de lleno en la tensión que puede generar la elaboración de un archivo de una obra de danza europea desde nuestro continente, considerado que siempre ha sido Europa el lugar de producción hegemónica del saber”.


COORDENADAS

Fecha: 12 y 13 de agosto
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Link obra: http://nave.io/programacion/cenit/

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/765678006935700/

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cnca invita a la 2da temporada del Encuentro Coreográfico Sala Arrau #danza

La segunda parte de este ciclo, a realizarse entre el 10 y 12 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago,  contempla los montajes “Efímero” y “TELÚRICA, Experimento coreográfico y sonoro”, de los coreógrafos Andrés Millalonco y Ana Barros,  respectivamente.

Aquello que es pasajero, que dura poco tiempo, que no se instala, que dice adiós. Eso es “Efímero”, montaje de Andrés Millalonco que corresponde a una de las dos piezas que se presentarán entre el próximo 10 y 12 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago, en el marco del sexto Encuentro Coreográfico Sala Arrau, ciclo impulsado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), a través de su área de Danza.

El espectador se encontrará con un conjunto de atmósferas que propiciarán un viaje personal a lo largo de la pieza. “Es una construcción de pequeñas escenas compartidas íntimamente con un ojo espectador, que trae al presente una y otra vez un entramado de experiencias, relaciones y momentos colectivos que transitan por el amor, la existencia y la muerte. Esta pieza coreográfica nos muestra un viaje con paradas en los recuerdos personales, hasta llegar a la estación presente del colectivo, empapando al asistente con un trozo de vida y su efímera materia”, explica el director de “Efímero”, Andrés Millalonco.

Durante las tres jornadas en el Municipal de Santiago, se presentará también la pieza “TELÚRICA, Experimento coreográfico y sonoro”, de Ana Barros; creación que indaga en la memoria, entrecruzando cuerpo, biografía, historia y sonido.

Desde una mirada subjetiva, el montaje problematiza la herencia de memoria y la violencia como registro emotivo y físico. Indaga en la biografía de los padres y la propia, para rescatar la resiliencia y fortaleza del espíritu. “A partir del análisis de la entrevista realizada a dos ex presas políticas, se indaga en cómo traducir escénicamente aquello que sostuvo a estas mujeres, su impulso de transformación, resistencia y sabiduría, para volver a mirar estos hechos desde la mirada de los hijos, resignificando la herencia”, dice la coreógrafa, Ana Barros.

Las obras que dieron vida a la temporada pasada fueron el “Otro gallo cantaría”, dirigida por Gabriel Aragú, y la creación colectiva “Y ahora qué”.

El encuentro de danza se desarrollará en el Municipal de Santiago, ubicado en Agustinas 794, el próximo 10, 11 y 12 de agosto, a las 19.30 horas. Valor de las entradas: $4.000.

 

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El #documental “Las Danzas del Futuro” se exhibirá en NAVE #danza

El documental “Las Danzas del Futuro” de Francisco Bagnara se presentará en NAVE el día viernes 4 de agosto a las 20 hrs.

El proyecto “Las Danzas del Futuro” nace del proyecto Las Danzas Calle, agrupación que trabaja en torno a la práctica de la danza contemporánea en el espacio público.

El documental registra 19 intervenciones a lo largo del país; 16 en Plaza de Armas, 1 en Festival Cuerpos en Lluvia de Chiloé, y por motivos de la celebración del Día de la Danza, 1 en GAM y 1 en Corporación Cultural de Recoleta.

El próximo viernes 4 de agosto se exhibirá en NAVE el documental “Las Danzas del Futuro”, trabajo en el que se registra intervenciones en el espacio público de danza contemporánea y las cuales se realizaron en distintas partes de Chile. Esta es la continuación del proyecto Las Danzas Calle.

Hace 7 años nació Las Danzas Calle una agrupación que trabaja de manera práctica la danza contemporánea como una forma de relacionar el arte con la ciudadanía para generar un encuentro sensible entre los cuerpos y visibilizar la danza actual en un contexto donde difícilmente se reconoce y constituye como un referente.

A partir de esto, durante los años 2016-2017 el director Francisco Bagnara mantuvo un registro de una temporada de 19 funciones entre abril y mayo del año 2016 que dio como resultado “Las Danzas del Futuro” el cual contó con el financiamiento de Fondart 2016 y que se presentó 16 veces en Plaza de Armas, una vez en el Festival Cuerpos en Lluvia de Chiloé, y por motivos de la celebración del Día de la Danza, una vez en el GAM y una vez en la Corporación Cultural de Recoleta.

De acuerdo a la agrupación, la recepción ha sido positiva dado el carácter traspasable, inclusivo y democrático que resulta del acercamiento de la danza contemporánea con personas que no están familiarizadas con la disciplina, dándoles así la opción de ser parte de la práctica. Finalmente la rápida integración entre el equipo de trabajo y el público se convierte en una vivencia y un empoderamiento por parte de las audiencias.

Las funciones previas a la realización de este documental, fueron prácticas con una duración de 90 minutos creadas en una residencia permanente en la Plaza de Armas que implicó una instalación de danza contemporánea delimitada donde las audiencias elegían la música.

“NAVE es un espacio que se particulariza por su misión y visión de la investigación artística nacional, abriendo espacios, precisamente, para propuestas y formatos actuales, y la apertura que tiene hacia la comunidad, no solo de la danza, sino que hacia la ciudadanía. Considero y este es un contexto idóneo para presentar el documental “Las Danzas del Futuro”, ya que es un espacio que cuenta con todas las condiciones materiales óptimas para la apreciación del trabajo, un público específico que trasciende el ámbito de la danza y se dirige hacia otras artes ya la ciudadanía”, dice la agrupación.

El documental se exhibirá de manera gratuita en NAVE a las 20 hrs. y contará con inscripción previa.


COORDENADAS

Fecha: 4 de agosto
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: Entrada liberada

Link inscripción: http://nave.io/programacion/las-danzas-del-futuro-francisco-bagnara/

 

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Llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: La Bailarina de Sonia Gómez #danza

La última obra del ciclo “Prácticas para estar juntas” se exhibirá este 22 y 23 de julio.

“La Bailarina” es un trabajo de proximidad entre el espectador y la artista que deja de lado los artificios que envuelven a la danza.

Sonia Gómez es la última artista española en presentarse en este ciclo que cuestiona y trabaja en torno a los objetos y el humor.

Luego de haber presenciado las obras de las artistas españolas Amalia Fernández, Cuqui Jeréz, María Jeréz e Idoia Zabaleta, llega a NAVE la última obra del ciclo Prácticas Para Estar Juntas: “La Bailarina” de la artista hispana Sonia Gómez.

La obra que comenzó a gestarse en 2014 y que se presentará en NAVE como un solo de 35 minutos, es el resultado de una investigación entre la proximidad de la artista con el público que busca no apoyarse de los artificios que enmarcan a la danza actual, ya que pretende ser una pieza que se pueda presentar en cualquier lugar, sin que el contexto sea una determinante.

Sonia Gómez se prepara en casa. En una habitación vacía y también en una sala de ensayo, la coreógrafa española busca, en un espacio inesperado sin los artificios de la luces y un suelo especial, crear un espectáculo íntimo donde las dualidades entre audiencia e intérprete, y el cuerpo y la performatividad se encuentren y confluyen.

En “La Bailarina”, el movimiento es el protagonista absoluto de todo y toda acción y voluntad giran en torno al deseo de moverse.

La pieza, un solo de danza para un público pequeño, está pensada para ser bailada en espacios que transmitan placer y empatía al intérprete y el espectador.

En esta nueva muestra de su pieza en NAVE, la artista vuelve a retomar los pasos que llevaron a la creación de la obra en sus orígenes. “La Bailarina” nace del prefijo auto, de la investigación en el movimiento y de algunas reglas para el intérprete.

Todos estos conceptos unido buscan construir el cuerpo como materia dramatúrgica el cual busca optimizar los recursos y el empleo del tiempo para que las ideas fluyan.

Sobre su paso por NAVE y sobre lo que busca generar como parte de su trabajo en el espacio la artista dice: “Busco poder generar, intercambiar y compartir el proceso Bailarina. La pieza que ha tenido varios formatos de reflexión ya que se ha compartido  invitando a otros artistas a hacer versiones de la pieza original y también se ha convertido en un Laboratorio [DANCERS], para seguir investigando con profesionales de las artes del cuerpo sin la necesidad de llegar a un resultado-pieza-producto. El laboratorio [DANCERS] comparte los principios de Bailarina con los participantes que pueden hacer uso y disfrute de las ochos pautas de movimiento que conforman la pieza original y utilizarlos a su antojo, cómo quieran y cuándo quieran”.

 


COORDENADAS

Fecha: 22 y 23 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.

Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas.
(Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

>>> Este proyecto cuenta con el financiamiento de PICE y Acción Cultural Española, y Centro Cultural España.

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/466707477042850/

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Ya está abierta la convocatoria DenkTanz para creadores nacionales #DANZA #NAVE

Ya está abierta la convocatoria para coreógrafos nacionales DenkTanz, un programa para creadores chilenos organizado por Goethe-Institut Chile y CIM/AE –Centro de Investigación y Memoria de las Artes Escénicas–.

Esta vez, por tercer año consecutivo, Denktanz se propone como una residencia de investigación-creación en NAVE. Donde el foco se ha puesto en desarrollar una nueva temática, integrando la riqueza de los nuevos contextos socioculturales de las migraciones que actualmente integran nuestro territorio.

A través de esta convocatoria, se recibirán propuestas que aborden la creación desde temáticas en torno a la migración, donde el cruce entre danza y migración se articula como la premisa para el trabajo práctico, la generación de experiencias y la metodologías a proponer.

Para conocer más sobre cómo enviar tu proyecto entra a Convocatoria DenkTanz.

¡No te pierdas la oportunidad de desarrollar tu proyecto en NAVE!

*** CIERRE CONVOCATORIA 21 DE JULIO ***

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El bullying se reflexiona bailando en #gam

El coreógrafo Kike Faúndez dirige este estreno de danza sobre el bullying. Una obra que cruza técnica contemporánea y bailes urbanos, para intentar reflexionar sobre las causas y consecuencias del acoso escolar.

A Kike Faúndez le interesa hacer danza con contenido social. Debutó como director con Contra el tiempo, una obra sobre el estrés de la vida contemporánea. Y ahora vuelve con Qué pasa en la sala, un montaje sobre el bullying.

La obra intenta dar una mirada cinematográfica al acoso escolar, abriendo el problema fuera del colegio, mirando también el entorno familiar. ¿Por qué alguien abusa?, ¿por qué la víctima calla?,  son algunas de las preguntas que explora el montaje.

“Creo que casi todos vivimos el bullying de niños, ya sea como víctima o acosador activo o pasivo. Personalmente por mi tartamudez pude ser víctima, pero no deje que eso pasara. Pero es una realidad que las victimas pueden tomar decisiones fatales, y no entiendo cómo niños toman una decisión tan grave como el suicidio”, cuenta Faúndez.

El lenguaje de la obra es un cruce entre los estilos de sus intérpretes, porque algunos tienen formación en danza contemporánea y otros vienen del mundo del hip hop y bailes urbanos. Un cruce de estilos que también tiene Faúndez, porque pasó por el Bafochi, BANCH y Ballet de Santiago y ganó el reality Fama que Canal 13 transmitió hace 10 años.

Dirección Enrique Faúndez
Intérpretes Catalina Donoso, María José Riquelme, Nicolás Cancino, Diego Gonzáles, César Cisterna
Diseño sonoro Gian Franco Signorelli
Diseño de iluminación Kiko Fierro

6 al 22 Jul. 2017
Mi a Sá, 20 h

Edificio B, piso 2, Sala B1

$5.000 Gral
$3.000 Est. y 3ed.

Jueves de danza
$ 3.000
No acumulable con otras promociones.

$6.000 Gral. Internet
$4.000 Est. y 3ed. Internet

-20% y -30% gral. Club El Mercurio
2×1 gral. Membresía Profesores y Membresía BiblioGAM
2×1 gral. SIDARTE, ACHS, ADTRES y GESTIONARTE, SINATTAD

*Descuentos exclusivos para el valor general. No acumulables con otras promociones

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Consejo de la Cultura da el vamos al sexto Encuentro Coreográfico Sala Arrau #danza

La primera parte del ciclo, a realizarse este viernes 7 y sábado 8 de julio, contempla los montajes “Otro gallo cantaría”, dirigida por Gabriel Aragú, y la creación colectiva “Y ahora qué”.

Una invitación a empujar los límites de la zona de confort, es la propuesta del montaje “Y ahora qué”, creación colectiva a cargo de Carola Méndez, Nelson Avilés y Nachopeztaña; una de las dos obras que se exhibirán este viernes 7 y sábado 8 de julio en el marco del sexto Encuentro Coreográfico Sala Arrau, ciclo impulsado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) a través de su área de Danza.

Durante las dos jornadas, a realizarse en el Municipal de Santiago, Opera Nacional, se presentará también la pieza de flamenco-danza el “Otro gallo cantaría”, de la compañía Triana, que indagará en las etapas del espíritu de Nietzsche: camello, león y niño.

En esta última se incluirán los polos presentes en el humano: por un lado el yogui o espiritual, y por otro el ególatra, sexual y egoísta. El espectáculo se configura como una invitación a la toma de consciencia y reconocimiento de la propia etapa que atraviesa el espectador. “El público se encontrará con una propuesta de flamenco-danza con 11 artistas en escena, que a través de una propuesta tradicional en el aspecto público-artista, podrá identificar en qué etapa de la vida se encuentra actualmente”, dijo el director de la obra, Gabriel Aragú.

Por su parte, la compañía Danza Contemporánea a cargo de la pieza “Y ahora qué”, aseguró que: “Estamos en un momento de posibilidades, de agote de una forma de vivir, pero también de esa incertidumbre de lo que está por venir. Entonces, queremos imaginar esas posibilidades, no caer en la inmovilidad de la incertidumbre, sino en su posibilidad de accionar algo nuevo. Vamos a apelar a una forma diferente de relacionarnos, distinta de la relación de consumo, de las relaciones de tipo utilitarias o individualistas, queremos proponer un acento en el cariño, en el respetarnos y en el comunicarnos”.

El encuentro de danza se desarrollará en el Municipal de Santiago, Opera Nacional, ubicado en Agustinas 794, a las 19.30 horas. Valor de las entradas: $4.000.

En 2012, el Área de Danza del CNCA y el Municipal de Santiago, Opera Nacional se unieron por primera vez en una cruzada por el desarrollo de la danza nacional con la organización del Ciclo de Danza Creación en Tiempo Real. Luego, el 2013, ambas instituciones dieron nuevos y decisivos pasos con la realización entre mayo y agosto del primer Encuentro Coreográfico Sala Arrau, una plataforma que ha permitido dar visibilidad a las creaciones de trece coreógrafos chilenos.

 

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Continúa el ciclo Prácticas Para Estar Juntas con “Mantra Vida” de Idoia Zabaleta #nave

En el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas, llega a NAVE la 4ta obra que compone este encuentro lleno de humor entre 5 artistas hispanas y sus creaciones.

En esta ocasión, Idoia Zabaleta mostrará Mantra Vida, una serie de solos inspirados en la figura de Antonia Merced, conocida como La Argentina, bailarina española víctima de la guerra civil española.

NAVE abre su programación de julio con la obra de la artista española Idoia Zabaleta, Mantra Vida, 4ta obra en llegar al espacio en el marco del ciclo Prácticas Para Estar Juntas; un encuentro lleno de humor donde 5 artistas hispanas presentarán obras y creaciones que han pasado por una serie de países y festivales.

Mantra Vida nace como un encargo para el proyecto “Envoltura”, comisariado por Isabel de Nacerán e iluminada por David Alcorta, y que evolucionó en un proceso de investigación y creación de una serie de solos en torno a las circunstancia de la muerte de la bailarina Antonia Merced, conocida como La Argentina, el 18 de julio de 1936.

En sus primeros pasos, la artista se enfrentó a la figura de la bailarina a través de “Envoltura”, un recorrido por varias escenas inspiradas en la idea de síncope como movimiento corporal e histórico encarnado en la figura de la bailarina Antonia Merced (1890-1936) quien murió sorpresivamente cuatro horas después de enterarse del alzamiento de las tropas franquistas y el inminente inicio de la Guerra Civil.

La muerte de La Argentina resultó significativa ya que fue la primera artista condecorada por el Gobierno Provisional de la Segunda República Española.

Pese a la fuerza y connotación que tiene la vida e imagen de La Argentina, Mantra Vida se convierte en una pieza que se conforma a partir de una serie de solos que hacen eco a “Envoltura”, pero que buscan convertirse en un melodramático canto a la vida o una máquina de producción y distorsión de la vida. O a lo mejor en un acople de vitalismo y patetismo en un tiempo indefinido.

De esta forma, Mantra Vida hace un cruce entre el fuerte impacto de la Guerra Civil y la irrupción del franquismo con la serie “Top Mantras” que para la coreógrafa, son formas de entrar que funcionan como instrumentos mentales para la iluminación, como palabras aplastantes para la oración, como vibraciones elementales para la creación.

Se propone a partir de la obra, una experiencia contemplativa, donde el espectador ideal para esta sería una persona que al igual que en un concierto, no teme aburrirse, ni teme verse pensando en otras cosas, en otras dimensiones en otros planetas y tampoco teme mirar a su lado y darse cuenta que hay otras personas mirando lo mismo, o quizás no, pero si que está respirando a compás y que, hasta, a lo mejor quieran darte la mano.

Biografía de la artista

Idoia Zabaleta (1970, Vitoria- Gastéis). Es coreógrafa especializada en ecosistemas y dinámica de poblaciones en la Facultad de Biología. Estudió nueva danza e improvisación en Barcelona, Florencia, Amsterdam y Nueva York. Trabajó con la compañía Mal Pelo entre 1995 y 1999. Desde el año 2000 coproduce y crea su propio trabajo, colaborando con otros artistas e investigadores como Isabel de Naverán, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini, Ixiar Rozas, Sofia Asencio, entre otros.

COORDENADAS

Fecha: 30 de junio y 1 de julio
Horario: 20:00 hrs
Lugar: NAVE – Libertad 410, Santiago Centro. (Metro Cumming / Quinta Normal)
Precio: $1.500 estudiantes (presentando tarjeta que acredite) tercera edad y vecinos que acrediten domicilio. $3.000 general.
Entradas en boletería el día de las funciones a partir de las 19:00 horas o en preventa@nave.io (Pago sólo en efectivo. No hay redcompra)

 

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Coppelia, el #ballet más divertido del año, regresa al Teatro Nescafé

Tras el enorme éxito de “El cascanueces” y “La cenicienta”, regresa a pedido del público el ballet más divertido del año bajo la dirección de Sara Nieto, y gran elenco, para que grandes y chicos nuevamente vivan una experiencia inolvidable estas vacaciones de invierno.

Teatro NESCAFÉ de las Artes tiene el orgullo de presentar el regreso, por el éxito, de una nueva y divertida versión del clásico para toda la familia, “Coppelia”, desde el jueves 20 de julio.

Luego del enorme éxito de público y crítica con “El cascanueces” y “La cenicienta”, la ex primera bailarina estrella, la uruguaya Sara Nieto, presenta su entretenida versión del clásico ballet junto a los primeros bailarines Naomi Escobar –gran revelación de la danza nacional en 2016-, Isabel Barra, María Luz Pérez, Lucas Siqueira y Ederson Teaiva, además de gran cuerpo de baile con 30 bailarines profesionales.

La historia presenta al juguetero Coppelius, quien guarda en su casa varios muñecos de tamaño humano que intrigan a su aldea, en especial a la traviesa Swanilda, quien suplanta a una de las obras preferidas del artesano, Coppelia, para en esta versión comportarse no solo como una muñeca, sino bailar para asombro de su creador, y también del público.

“Coppelia” –basada en la obra de E. T. A. Hoffman “El hombre de arena”- se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de Paris y se convirtió de inmediato, gracias a su deslumbrante despliegue de danza clásica, danza de carácter y pantomima, en un clásico del ballet sentimental y cómico de todos los tiempos.

“Resonante éxito…deslumbrante despliegue de danza clásica, danza de carácter y pantomima, en un clásico del ballet sentimental y cómico de todos los tiempos.”. BIO BIO CHILE.

“Son muchos los aciertos que hacen de este montaje algo admirable y elogiable…creatividad enorme, ágil y moderna” LAS ULTIMAS NOTICIAS.

“un espectáculo destinado a encantar a toda la familia, entregando las dosis justas de humor, en particular en el brillante segundo acto; es sorprendente observar a los niños tan compenetrados que ríen de buenas ganas, con las peripecias de los muñecos en la casa de Coppelius.” VISIONES CRITICAS.CL

“Los bailarines sorprenden por su destreza y limpieza técnica, así como también por la interpretación de sus personajes. Swanhilda y sus amigas entretienen especialmente al público infantil, que disfruta con sus travesuras.” MARIETTA SANTI, crítico de danza.

Ficha artística:

Música: Léo Delibes.
Coreografía: Sara Nieto.
Escenografía: Salvatore Pellizzari.
Vestuario: Ruth Provoste.

Espectáculo dirigido a niños mayores de tres años.

Ballet Teatro NESCAFÉ de las Artes: “Coppelia”

Fechas y horarios: Jueves 20, viernes 21, sábado 22 y domingo 23 de julio.

Horario: 20 horas. Sábado 16:00 y 20:00 horas.

* Precios generales: 12.000 a 25.000 pesos.

* Precios niños (3 a 10 años): 5.000 a 10.000 pesos.

Ventas: en boleterías del teatro y por Ticketek.

Consultas: al 2236 3333, anexo 109.

*Este evento tiene los descuentos del Club de Lectores de El Mercurio:

20% presentando la tarjeta.

30% pagando con la tarjeta.

 

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