LAS TENUES COMPOSICIONES DE LUIS EDUARDO LAMAS #exposicion #lascondes

“Espacio interior” se titula la muestra de pintura del artista chileno, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes.

ESPACIO INTERIOR se titula la nueva muestra de pintura del chileno Luis Eduardo Lamas, que se presenta entre el 2 de junio y el 2 de julio en el Centro Cultural Las Condes. Se trata de una serie de interiores que reflejan el personal imaginario del artista. Su naturaleza es aparentemente, pero en una segunda mirada se descubren los juegos cromáticos y compositivos que subyacen en coloridas composiciones.

Lamas pinta en su taller, sentado en su silla y rodeado de jarras blancas enlozadas, mesas y manteles de colores floreados, libros y decenas de fotos, que son precisamente los que recrea en sus obras. “Éste es su espacio interior, un laboratorio para probar fórmulas de colores, para combinar, y hacer que los objetos se unan, las frutas con las flores, y que se pueda improvisar sobre el lienzo. Al final, composiciones intimistas inventadas que le generan el disfrute armónico deseado”, señala el pintor Carlos Salazar.

 

Y agrega: “Lamas no está para romper o reinventar el arte, él sabe que todo lo hecho hasta ahora no termina allí. Debe continuar con el mismo postulado al enfrentarse cada nuevo día a la tela, a su oficio adquirido y a la oportunidad que las circunstancias le regalan, para entregar y perderse en el mundo de experiencias singulares a la plástica, vividas únicamente en su sagrado espacio interior”.

 

Luis Eduardo Lamas (Concepción, 1953). Desde muy pequeño sus inquietudes artísticas se manifiestan, estudiando posteriormente arte y diseño en el campus Lo Contador de la Universidad Católica de Chile. En esos años comenzó a relacionarse con artistas, lo que derivó en desarrollarse en el área de promover y difundir la obra de muchos de ellos. A los 45 años decidió dedicarse por completo a la pintura e instaló su taller en el barrio Bellavista. Allí ha desarrollado una prolífica obra y gestado encuentros permanentes con diferentes artistas, lo que lo llevó a formar la galería Salataller, que actualmente dirige.

Fecha:           2 de junio al 2 de julio de 2017
Lugar:           Salas de Exposición
Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
Teléfono:     22 8969800

Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Entrada:       Liberada

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Dream Come True : Yoko Ono 60 años de trayectoria en Chile

Durante la conferencia de prensa de la exposición Yoko Ono: Dream Come True en CorpArtes, la artista llamó por primera vez durante la muestra, a través de su Pieza teléfono.

Los curadores Gunnar B. Kvaran y Agustín Pérez Rubio realizaron una visita guiada, destacando las piezas clave de la exhibición.

 

Ayer se realizó en CorpArtes la conferencia de prensa de la exposición Yoko Ono: Dream Come True. A esta asistieron diversos medios chilenos, quienes realizaron una visita guiada, dirigida por los dos curadores de la muestra: Gunnar B. Kvaran, director del Astrup Fearnley Museum en Oslo, y Agustín Pérez Rubio, director artístico del Museo de Arte Latinomericano de Buenos Aires (MALBA).

“En esta exposición nos hemos concentrado en sus Instrucciones, el que consideramos el trabajo más destacado de Yoko Ono, y probablemente más importante del arte de los últimos 40 años”, explicó Kvaran al introducir la visita. “Por una parte, en esta exhibición tenemos la desmaterialización de la obra de arte, pero también existe la participación del público, que es un concepto muy importante para Yoko […] Uno de los aspectos más relevantes en su arte son los derechos de las mujeres. Yoko Ono es probablemente una de las artistas feministas más importantes, y realmente representa la voz de las mujeres”.

“Esta retrospectiva incluye piezas desde el año 1955 hasta hoy. Hay que entender que las instrucciones atraviesan todo su trabajo y muchas de sus piezas provienen de instrucciones anteriores”, agregó Agustín Pérez Rubio. “Son 60 años de trayectoria, la columna vertebral de su trabajo. Sus instrucciones invitan al público a interactuar; alegan por la paz, y tienen un discurso trascendental”.

Uno de los momentos más emocionantes de la visita fue cuando sonó el teléfono de Pieza télefono, instalación a través de la cual Yoko Ono llamará esporádicamente hasta el final de la muestra, que se inaugura mañana 23 de junio y culminará el 22 de octubre. Ayer, Florencia Rodríguez fue quien respondió la llamada y habló directamente con la artista en Estados Unidos, quien le habló de Chile y su exposición. Veinte minutos después volvió a llamar: esta vez contestó Pérez Rubio, a quién la artista preguntó por la chica con la que había conversado anteriormente. Esta vez, Florencia pudo escuchar: “I love you, and I love you all in Chile”.

Dentro de las más de 80 piezas que se presentan en esta retrospectiva, destacan Mi mami es hermosa (1997), donde el público puede dejar mensajes a sus madres; Pieza reparación (1966), que invita a reparar el mundo a través de cerámicas; y Pintura de techo (Pintura del sí) (1966), a través de la cual John Lennon conoció a Ono y se habría enamorado de ella.

 

 

DÓNDE: CA660 Itaú Corpbanca, Fundación CorpArtes.

CUÁNDO: Desde el 23 de junio al 22 de octubre.

HORARIOS Y VALORES:

Lunes: Cerrado
Martes-domingo 11:00-14:00 horas.  Entrada liberada
Martes-domingo 14:00 a 18:00 horas. $2.000 (adulto) – $1.000 (niños/estudiantes/3° edad)
Visitas guiadas: Vie-Sáb-Dom. 19:00-19:30-20:00 horas. $4.000 (adulto) – $2.000 (niños/estudiantes/3° edad)
Visitas familiares: Sáb-Dom en dos horarios 12:00 y 17:00 horas. $4.000 (adulto) – $2.000 (niños/estudiantes/3° edad)

DIRECCIÓN: Rosario Norte 660, nivel -2. Las Condes.

Convocatoria Resurgiendo,

Del 8 de marzo al 8 de octubre

Participación vía web: www.corpartes.cl/yoko-ono-resurgiendo/

En el marco de Dream Come True, Yoko Ono y CorpArtes, invitan a las mujeres latinoamericanas que hayan sufrido violencia de género a ser parte del Proyecto Resurgiendo. La propuesta de la artista estadounidense de origen japonés, es que las mujeres de la región “que hayan sufrido algún tipo de violencia por el simple hecho de ser mujeres” compartan su experiencia en forma anónima, junto con una foto de sus ojos, a través de la página: www.corpartes.cl/yoko-ono-resurgiendo/. El material reunido integrará una instalación multimedia que formará parte de la exhibición. A partir de esta instrucción, dirigida sola y exclusivamente a las mujeres, Yoko Ono ofrece una instancia de catarsis y sanación para aquellas cuyos cuerpos o mentes han sufrido agresiones con el fin de brindarles la oportunidad de hacer pública su historia a partir de un testimonio en primera persona.

Resurgiendo es un proyecto de Yoko Ono que, desde su primera convocatoria en abril de 2013, ha contado con cientos de miles de testimonios de mujeres de todas partes del mundo.  Se exhibió por primera vez en la 55° Bienal de Venecia, en el Palazzo Bembo, como parte de la muestra Personal Structures. “Escucha a tu corazón, respeta tu intuición. No hay límites, ten coraje, ten rabia, estamos todas juntas. Sigue tu corazón, usa tu intuición, manifiéstate, no hay confusión”, escribió la viuda de John Lennon.

Sobre Yoko Ono

Yoko Ono, nació en Japón el 18 de febrero de 1933 y formó parte del movimiento vanguardista en la época de los 60.  Fue integrante del grupo Fluxus y muy asidua al arte conceptual, en el cual las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, pudiendo llegar a ser, incluso, más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización.

Organizó conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música, editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte (Grapefruit), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destaca Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 70) y Season of Glass (años 80). En los 90, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint for a Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido Walking on Thin Ice y, en menor nivel, Never Say Goodbye.

Sus discos -en colaboración con John Lennon- incluyen Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions, Wedding Album, Some Time in New York City, Double Fantasy y el póstumo Milk and Honey.

Gran parte de la obra de Yoko Ono, trata temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcada de su arte es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.

fotos gentileza CorpArtes Créditos Natalia Nuñez

 

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Danila Ilabaca crea su calendario artístico en el #Centex #valparaiso

En el hall del Centro de Extensión del Consejo de la Cultura (Sotomayor 233, Valparaíso), la artista gráfica y visualista desarrolla durante el mes de junio un ejercicio creativo que muestra cada día una nueva imagen sobre la base de collage con volumen.

La muestra estará disponible hasta el 16 de julio.

Desde el 1 de junio, Danila Ilabaca inició “Calendario”, obra que muestra el imaginario visual de la creadora en relación con los días de la semana y abarcando fantasías personales, según distintos puntos de vista y culturas.

Así, cada día de junio se representa con una imagen, en un collage análogo con volumen de 23 x 23 cms., que integra cada día para lograr paulatinamente completar todo el mes.

“Calendario” forma parte de la muestra colectiva “Haciendo días”, exposición curada por Juan José Santos, también dentro del ciclo Latente, que exhibe diarios personales y trabajos de artistas donde se presentan dos obras-diarios en proceso. De esa forma, durante el mes de mayo, el profesor del Instituto Arcos de Viña del Mar, Nicholás Jackson, desarrolla su diario “Desperdicio” y ahora Danila Ilabaca avanza con “Calendario”.

¿Qué se muestra en Calendario?

Mientras ciertos días del mes se ven representados con imágenes totalmente alejadas de la idea tradicional de un calendario, otros muestran -por ejemplo- el origen de los nombres de los días de la semana según los planetas, los dioses, o el significado de cada día para el catolicismo.

Cada pieza de la obra muestra el ímpetu principal de la artista, que consiste en borrar las fronteras de la gráfica popular a través del collage, mediante la recolección y el viaje. Se reúnen distintas culturas, incluso llegando a generar un sincretismo cultural absurdo que nos muestra fragmentos de mundos cotidianos íntimos y ajenos que hablan de realidades foráneas.

La idea de reunir piezas que no fueron pensadas para ir juntas significa generar un quiebre en el destino de las cosas, el collage se observa como una fiesta a la que todos están invitados.

Dentro del material se utilizaron principalmente revistas antiguas (año 1960, aproximadamente) que fueron encontradas en una casa abandonada. También se pueden encontrar imágenes recortadas de enciclopedias obsoletas, cartas eróticas, imágenes religiosas de la calle, patrones de punto cruz, billetes falsos, y postales de viajes realizados por la artista a países como India, Japón, Ecuador, Inglaterra, España, Estados Unidos y Chile.

Danila Ilabaca

Es artista gráfica y visualista, licenciada en Diseño gráfico por la PUCV en 2014. Su trabajo gira en torno al arte gráfico desarrollando técnicas análogas y digitales. El dibujo, el collage y la animación stop motion se manifiestan a través de un imaginario que surge desde el juego del color, la invención de personajes, elementos de la vida cotidiana y el humor.

Ha coleccionado piezas visuales de distintas partes del mundo en diversos viajes para luego sacarlas de contexto en sus obras. También aparecen en su trabajo imágenes religiosas, no por una cuestión devota, si no por una atracción estética y simbólica.

En el ámbito del dibujo abundan personajes inventados, andróginos, siameses, o seres que responden a ficciones personales. Muchas veces el imaginario nace a partir de sucesos políticos actuales y la coyuntura que la rodea, ve el arte gráfico como una manera de poder plasmar una visión crítica al funcionamiento de la sociedad.

Actualmente vive y trabaja en Valparaíso, en el mes de mayo inauguró su segunda exposición individual llamada “Buenaventura”, en la Galería Balmaceda Arte Joven de Valparaíso, que permanecerá abierta hasta el 5 de julio de 2017. Su obra “Calendario” estará en el Centex hasta el 16 de julio.

Fotografias gentileza CNCA Credito Jorge Villa

 

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Últimas obras de Federico Assler visten la fachada del Centro Cerrillos

Se trata de cuatro piezas de hormigón realizadas entre fines de 2016 y comienzos de 2017, que permanecerán en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos hasta fines de agosto.

En una faena de casi 4 horas -dirigida por el propio escultor-, cuatro obras del Premio Nacional de Artes Plásticas, Federico Assler, fueron instaladas en el frontis del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, dependiente del Consejo de la Cultura.
Se trata de piezas de hormigón armado, técnica preferente del artista, esculpidas entre fines de 2016 y enero de 2017; y presentadas solo una vez en la muestra que expuso el trabajo de Assler en Corpartes.
Federico Assler, tras preocuparse hasta del más mínimo detalle de la instalación, dijo que “mi interés es poner las esculturas al encuentro del público directamente, que reciban luz exterior en el día y cambiante con las estaciones, y que la gente se las encuentre como un acontecimiento diferente en la ciudad, inesperado. Me interesa mucho ir al encuentro con el hombre en lugares distintos de los museos y experimentar la interacción de las obras con las personas”.
La directora del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, Beatriz Salinas, agradeció que “un artista Premio Nacional de Artes Plásticas nos permita exponer sus obras en nuestra fachada. Contar con obras de Assler en nuestro espacio -que es público- nos llena de orgullo y nos permite que nuestros visitantes puedan conocer de cerca la obra de este importante artista nacional”.
Las obras de Federico Assler permanecerán hasta fines de agosto en el Centro Cerrillos.

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Cecilia Vicuña participa en Documenta 14 en Alemania

La artista visual chilena llega a Kassel, tras participar en Grecia en la inauguración de uno de los encuentros de arte contemporáneo más relevantes a nivel mundial. Su presentación es parte del plan de gestión del área de Artes Visuales del CNCA.

A la cuna de Documenta llega mañana Cecilia Vicuña para participar de la 14ª versión del encuentro de arte contemporáneo, cuya primera parte ocurrió desde abril en Atenas, Grecia.

60 años después de su fundación, la poeta y artista visual chilena, Cecilia Vicuña, llega a Documenta junto al proyecto Ciudad Abierta de Ritoque, tras ser seleccionados por el curador de la cita, Dieter Roelstraete.

La presentación de Cecilia Vicuña en Documenta es parte del plan de gestión del área de Artes Visuales del Consejo de la Cultura, que aportó financiamiento para su participación, en sintonía con la línea de  apoyar a artistas de trayectoria que presentan su trabajo en eventos internacionales de relevancia.

En Atenas presentó uno de sus tradicionales Quipus, artefactos construidos in situ que ha fabricado durante 50 años. Vicuña explicó que “la forma en que el Quipu ha sido recibido se ha transformado en el emblema de  Documenta en Atenas. Cada día me entero de cosas nuevas que han pasado en relación a ese Quipu. La recepción del público ha sido completamente visceral de ver esta sala blanca inmensa y este río de sangre de 8 metros que cuelga del techo; que el cuerpo humano se percibe como una cascada gigante”.

En Kasell, además, la artista se instalará a orillas del río Fulda para desarrollar un ritual performático, idea ya presentada en Grecia, en el sector costero de Limanakia. “En Atenas llegó muchísima gente a este ritual colectivo, ya que hay una necesidad de conexión del cuerpo con el agua y de transformar la relación con la tierra y el cosmos”, explicó Vicuña.

Además de estos dos trabajos, Cecilia Vicuña presentará  Héroes de la revolución y mujeres poetas, una muestra de pinturas al óleo de los años 70, en la Neue Gallery en Kassel. Esta selección incluye los míticos retratos de figuras históricas como Marx, Lenin, Fidel, Allende, Violeta Parra, Gabriela Mistral y María Sabina. Además de obras como La Muerte de Allende y El Ángel de la Menstruación. Todas ellas han estado guardadas durante más de 40 años y recién ahora el público podrá apreciarlas en Documenta, desde mañana 10 de junio hasta el 17 de septiembre.

 

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23 obras repasan visión del antihéroe del novel pintor chileno Eric Richter #viñadelmar

“Uroboros: la expresión de la Naturaleza” es el nombre de la nueva exposición que inauguró el municipio de Viña del Mar en los salones del Castillo Wulff, muestra que se podrá ver gratuitamente hasta el 25 de junio, de martes a domingo de 10:00 a 13:30 horas y de 15:00 a 17:30 horas, en el edificio patrimonial ubicado en Av. Marina 37.

Se trata de 23 obras en acrílico y tinta china de Eric Richter, un joven pintor que plasmó en tela su visión del antihéroe mediante la utilización de técnicas mixtas y que como resultado generan una interesante lectura visual de su mente en un conjunto que formó tras años en distintas épocas de su vida.

“Eric Richter es un artista joven, que con el ímpetu de la juventud, crea y recrea. Un artista que pleno de energía traspasa esa vitalidad a cada uno de sus cuadros que nos invita a mirar con detención y descifrar lo que busca comunicar, llenando de color los salones de este centenario edificio patrimonial”, destacó la Asesora de Patrimonio del Municipio y ex Concejal de Viña del Mar, Eugenia Garrido.

Eric Richter, Psicólogo y Master en Comportamiento del Consumidor de profesión, aunque se define autodidacta, estudió algún tiempo en la Escuela de Bellas Artes de la Municipalidad de Viña del Mar, lo que le ayudó a perfeccionar su técnica que lo ha llevado a contar con más de 100 obras y distintas muestras como la última que hizo en la galería La Puerta Azul de pleno Barrio Italia, Providencia y que se denominaba “4 & Claustrofilia”.

Respecto a la presentación de su trabajo en el Castillo Wulff, Richter explica que espera que este edificio declarado Monumento Nacional sea una plataforma para mostrar su arte a la ciudad y que la gente pueda ver que estos espacios están abiertos y que pueden ser disfrutados por todos.

“Para mí es un verdadero honor mostrar mi trabajo y mi arte en un lugar con tanta historia y belleza, y que además esté ubicado en la hermosa ciudad que me vio nacer. Dado que soy principalmente un autodidacta, me gustaría que la gente entienda que todo es posible, que la ciudad brinda oportunidades y que el único límite es la propia determinación y perseverancia”, asevera el artista.

A la inauguración de esta exposición asistieron la Asesora de Patrimonio, Eugenia Garrido, la Encargada de la Unidad de Patrimonio de la I. Municipalidad de Viña del Mar, Patricia Valenzuela y Rafael Torres, Director del Museo Baburizza, además de pintores, familiares y amigos del artista.

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Jauría : un conjunto escultórico de 30 piezas en Plaza Central de GAM

El artista Pablo Concha trae a la Plaza Central de GAM una exhibición de un conjunto escultórico de 30 piezas en madera.

El público podrá ver una manada de 30 animales, tallados cada uno en madera de cerezo, con una longitud aproximada de dos metros. La jauría, que está tallada con motosierra para apreciar las vetas y cortezas de la madera, tiene un acabado policromado con pintura de automóvil.

La distribución de las esculturas se realizará de tal manera que la manada confronte al espectador que ingresa al edificio.

Algunos “caminarán” hacia la entrada principal de manera de crear un recorrido en donde el público se encontrará de pronto rodeado de animales.

Para el artista, “Jauría” muestra el paso errático de cierta especie ancestral del mamífero, como una imagen estática de un momento de nuestro devenir animal.

16 Mayo al 10 Jun 2017
Lu a Do – 9 a 21 h

Plaza Central GAM

Gratis

 

 

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LA ALEGORÍA DE LA PINTURA EXPOSICIÓN EN #LASCONDES

La exposición de pintura de la joven artista hereda la estética y potencia del expresionismo abstracto.

Entre el 2 de junio y 2 de julio se presenta en el Centro Cultural Las Condes.

Un homenaje el oficio de la pintura de caballete, con el atelier del artista como acto de declaración de principios y la pintura como acto de pintarse en sí misma. Así define el restaurador y pintor Francisco González Lineros a LA ALEGORÍA DE LA PINTURA, la nueva muestra de la joven artista Filipa Eyzaguirre, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes, entre el 2 de junio y el 2 de julio.

La exposición, compuesta por una veintena de obras al óleo sobre tela y papel, ofrece trabajos que son herederos de la estética y potencia del expresionismo abstracto, nacido de la mano de Jackson Pollock en el Estados Unidos de mediados del siglo pasado.

Pero, más allá de lo estético, constituye una pintura como paradoja de sí misma. Así lo explica González Lineros:

Este mundo nada aséptico (al cual se acogen las artes visuales contemporáneas) es el espacio de interés, de ensimismamiento, de aislamiento racional en el cual se desarrolla el actuar creativo de esta autora, lo que se constata semánticamente en la construcción de cada uno de sus precarios elementos (su entorno de taller); que aparecen develando el misterio propio de la pintura de caballete”.

Y agrega: “Este bello intento de rescatar la pintura con los elementos que la componen es tremendamente profundo. Nos habla de situarse en ese estado cero, donde lo más precario puede signar y dar sustancia visual a la representación de esa verdad que ella quiere develar: el acto de pintar desde las entrañas”.

Filipa Eyzaguirre Valenzuela (1987) es licenciada en Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Entre 2011 y 2015 residió en Madrid, París y Toronto, donde realizó estudios en Instituto Superior de Arte (Iart), Madrid; CaixaForum, Madrid, y La Sorbonne, París.

Ha participado en ferias de arte y muestras colectivas como Faxxi I, Santiago; Mediodía chica, Madrid; La Maison du Chili, París; Scuola Italiana, Santiago; Bienal de Florencia y Bienal de Venecia, Italia; Feria Art Santiago, y exhibe de forma individual en Artic Blue Gallery, Ibiza, y bipersonal en Galería La Sala.

Su obra se encuentra en las colecciones Ojo andino y Ojo latino, de Luciano Benetton.

Imparte talleres de pintura y dibujo en la Corporación María Ayuda y, junto a Francisca Valenzuela, trabaja en el proyecto Una nueva mirada, dedicado a niños en riesgo social.

Fecha:           2 de junio al 2 de julio de 2017
Lugar:           Salas de Exposición
Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
Teléfono:     22 8969800

Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas

Entrada:       Liberada

 

Exposición Dibujos urgentes de diseñador teatral Guillermo Ganga #lascondes

La muestra es un proyecto de colaboración entre Isabel Croxatto Galería y la Corporación Cultural de Las Condes, y se presenta entre el 2 de junio y 2 de julio en el Centro Cultural Las Condes.

Con materiales muy sencillos, propios del taller de un escenógrafo, el artista exhibe por primera vez su universo más íntimo, con una selección de dibujos y pinturas inéditas realizadas entre 1998 y 2017.

Entre el teatro y el papel, la exposición DIBUJOS URGENTES, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes, entre el 2 de junio y 2 de julio, da cuenta de una desconocida faceta del destacado diseñador teatral Guillermo Ganga, con más de 43 años de trayectoria en escenografía, iluminación y vestuario escénico.

La muestra reúne una selección de dibujos y pinturas inéditas del histórico diseñador del Teatro Nacional Chileno, realizados desde 1998 hasta la actualidad. Este extenso cuerpo de obras devela una mirada íntima, donde aparece el imaginario simbólico de este gran artista de las artes escénicas.

La temática de la exposición se centra en la realidad humana, social y política, que permearon a Ganga en las distintas etapas de su vida, junto a la ficción teatral que se apoderó de su imaginario cotidiano. La “urgencia” aparece en el tiempo, en esas pequeñas ventanas que se abren entre un ensayo y otro; y en la materialidad, en el lápiz de pasta, el pedazo de cartón y papeles remanentes de sus escenografías, que utiliza para dibujar y poner en escena a sus personajes.

En su larga y prolífica carrera como diseñador escénico, ha trabajado en más de 285 obras teatrales y coreográficas, que han nutrido su trabajo artístico. “La relación entre el teatro y mi obra visual, aparece dentro de los personajes que he visto y trabajado en alguna obra o con alguna agrupación de danza, que están presentes en los dibujos. En el tiempo que me deja el teatro, entre un estreno y otro, empiezo a dibujar y tomo lo primero que encuentro para hacerlo, como mi lapicera bic que siempre llevo en mi bolsillo”, expresa el autor.

Y agrega que hay tres etapas bien claras en esta muestra. La más antigua corresponde a figuras, casi puras cabezas intervenidas, sobre papel blanco. Luego entre 2008 y 2011 su obra se centró en figuras humanas “siempre agredidas, encerradas, violentadas físicamente. Es como un personaje que se repite. Estos dibujos están hechos sobre cartones forrados que uso para hacer las maquetas”.

Su creación más reciente es de 2017 y son obras más abstractas. “Casi no hay figura humana. Me apareció una forma de dibujo bien barroca, restos de plantas, como una post naturaleza muerta. En cartón madera que quedó de una escenografía, manchado con extracto de nogal, pinté con acrílico blanco y dibujé con lápiz de pasta. Tomo la realidad, la ficciono y la altero”.

El autor. Guillermo Ganga (1951) realizó sus estudios de Diseño Teatral en la Universidad de Chile. Desde 1974, hasta hoy, ha sido parte importante de los trabajos más representativos de la escena teatral de nuestro país. Hay que destacar que en 1987 comienza a trabajar como diseñador escénico en el Teatro Nacional Chileno. Ánimas de día claro, Chañarcillo y Jugar con fuego, son algunas de las obras icónicas en las que Ganga ha desplegado su talento en las tablas, sumando a su carrera 285 puestas en escena en las que ha trabajado como diseñador integral, en iluminación y/o escenografía.

Desde muy temprana edad comienza a realizar sus primeros dibujos. Muestra una sensibilidad especial por su entorno y vivencias propias del barrio que lo vio nacer. En 1983 realiza su primer viaje a México, que lo conmueve, invita e inspira a seguir trabajando paralelamente en su propia obra. Es en este viaje, en que recoge los elementos más representativos de la escena cultural mexicana, sobretodo esa impronta de fuerte identidad y raíz latinoamericana.

Ganga se inscribe en la escena nacional como un artista integral de prolífica trayectoria. De su trabajo personal, ha participado en dos ocasiones en muestras colectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes, en el marco de las Bienales de Gráfica organizadas por la Universidad Católica, y hoy realizará su primera exposición individual en el Centro Cultural Las Condes.

 

Fecha:           2 de junio al 2 de julio de 2017
Lugar:           Salas de Exposición
Centro Cultural Las Condes
Apoquindo 6570
Teléfono:     22 8969800
Horario:        Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Entrada:       Liberada

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    Una invitación abierta a los artistas visuales nacionales y extranjeros a participar en la X Bienal Internacional de Acuarela de Viña del Mar realizan la Municipalidad y la Corporación Cultural de la Ciudad Jardín. Los interesados podrán enviar un máximo de dos trabajos, creados después del 1º de enero de 2014 y que no hayan … Continúa leyendo Convocan a participar en X Bienal […]

 

Convocan a participar en X Bienal Internacional de #Acuarela de #ViñadelMar

Una invitación abierta a los artistas visuales nacionales y extranjeros a participar en la X Bienal Internacional de Acuarela de Viña del Mar realizan la Municipalidad y la Corporación Cultural de la Ciudad Jardín.

Los interesados podrán enviar un máximo de dos trabajos, creados después del 1º de enero de 2014 y que no hayan participado en otros concursos. El tema es libre y se recomienda que en la realización de las obras se emplee solamente acuarela. No obstante, están consideradas técnicas mixtas complementarias, confiriendo predominancia fundamental a la acuarela.

Premios

Los ganadores podrán obtener importantes distinciones, como  el Premio de Honor “Ciudad de Viña del Mar” – USD$ 2.500 dólares, Premio “Casino de Viña del Mar”-USD$ 1.500 y Premio “Corporación Cultural de Viña del Mar” – USD$ 1.000.

Todos los premios serán de adquisición para la Corporación Cultural de Viña del Mar y el Casino de Viña del Mar y serán acreedores a un diploma que certifique el reconocimiento obtenido por el artista.

Inscripciones

Los artistas nacionales o extranjeros radicados en Chile, no cancelarán inscripción. Sus obras serán devueltas a través de Correos de Chile, bajo el concepto “Por Pagar”, con cargo al artista. Asimismo, deberán completar, por cada obra que envíen, un formulario que deberán adjuntar a cada trabajo.

En tanto, los Artistas extranjeros no radicados en Chile deberán cancelar USD $20 (veinte dólares) de inscripción por artista, en cheque dólar, a la cuenta nº 0011-0100134314 del Banco BBVA (preferentemente), giro postal u otra forma de pago, especificada en la ficha de inscripción y adjuntando a ésta el comprobante respectivo. Ello con el fin de cubrir gastos de producción y devolución de las obras.

En la parte posterior de cada una de las obras deberá consignarse: Obra sin valor comercial, “Obra presentada a la X Bienal Internacional de Acuarela de Viña del Mar e Intercambio Internacional bajo el concepto de Actividad Cultural Sin Fines Comerciales”. En el exterior del embalaje también claramente visible y legible.

Para Liberación de ingreso y salida de las obras de la X Bienal Internacional de Acuarelas 2016-2017, los artistas que envíen sus obras deberán poner en el envase exterior de las acuarelas con letra clara y muy legible el siguiente texto: envío acogido a la Resolución Exenta Nº 7154 del 22 de nov. 2016, de manera que se tenga a la vista la liberación de ingreso para contar con las facilidades de Correos de Chile y las demás empresas de Courrier especializadas.”

Recepción de la obras

Los trabajos podrán ser entregados o enviados en forma de paquete plano reutilizable, no tubo, en la sede de la Corporación Cultural de Viña del Mar ubicada en calle Arlegui 683, entre los días jueves 17 y viernes 18 de agosto 2017.

También podrán entregarse con el mismo embalaje en forma personal en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, Palacio de Bellas Artes, Parque Forestal s/n, Santiago de Chile; y en la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, Concepción, Chile, los días jueves 17 y viernes 18 de agosto 2017, mañanas de 10:00 a 13:30 horas; tarde de 15:00 a 19:00 horas.

La fecha límite de recepción será el viernes 18 de agosto 2017 (circunstancia que se acreditará con el matasellos o con el comprobante de recepción del servicio de correo empleado).

Exposición

Los premios serán entregados en el Acto de Inauguración de la Bienal, el martes 26 de septiembre de 2017, a las 20:00 horas, en el Enjoy Casino de Viña del Mar, Avenida San Martín 199, Viña del Mar. Las decisiones del jurado son inapelables y todos los premios serán de adquisición para la Corporación Cultural de Viña del Mar y el Casino de Viña del Mar.

Para más información: acuarelavina2016@culturaviva.cl, info@culturaviva.cl

Sitio Web: http://www.culturaviva.cl