“Uroboros”: una nueva exposición de #arte en Castillo Wulff #viñadelmar

La Unidad de Patrimonio de la I. Municipalidad de Viña del Mar invita a todas las personas a la nueva exposición de arte que presenta en los salones del Castillo Wulff, “Uroboros: la expresión de la Naturaleza”, del pintor Eric Richter Allamand.

En Uroboros, el artista, plasma en 23 obras su pensamiento respecto a héroes y antihéroes, donde “la historia del antihéroe es solitaria. Busca la naturaleza como consuelo y la conexión con el universo como inspiración primaria, siendo su expresión, enfrentándose a la irrefrenable sensación que él mismo es su propio freno y destrucción”, afirma Richter, un pintor que cuenta que sus influencias son Hermann Rorschach, Vincent van Gogh, Marilyn Manson, Salvador Dalí, H.R. Giger, Charly García y Aleister Crowley.

Richter cuenta con más de 100 obras y muestras de arte, siendo “4 & Claustrofilia” su última exposición de pintura que realizó a principios de año en la destacada galería La Puerta Azul en pleno Barrio Italia, Providencia.

Esta nueva muestra de arte cuenta con entrada liberada de martes a domingo de 10:00 a 13:30 horas y de 15:00 a 17:30 horas en el edificio patrimonial ubicado en Av. Marina 37 hasta el 25 de junio.

  • RUTA DE JUEGOS Y LUGARES HISTÓRICOS EN VIÑA DEL MAR DURANTE DIA DEL #PATRIMONIO
    por admin el día Mayo 26, 2017 a las 6:49 pm

    Los 17 sitios patrimoniales que permanecerán abiertos entre 10:00 y 17:00 horas con entrada liberada. Este día del Patrimonio Cultural y Natural hay  un completo Programa que preparó la Unidad de Patrimonio de la I. Municipalidad de Viña del Mar en conjunto con el Departamento de Cultura, Parques y Jardines, la Casa del Deporte y … Continúa leyendo RUTA DE JUEGOS Y LUGARES HISTÓRICOS EN VIÑA DEL MAR DURANTE DIA DEL #PATRIMONIO […]

  • CON SUS SIMBOLOS Y SECRETOS LA NOCHE DE VIERNES ABRE EL MUSEO PALACIO RIOJA #DIM2017 #VIÑADELMAR
    por admin el día Mayo 18, 2017 a las 7:01 pm

    Sumandose a la celebración del DIM2017 el Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja invita a vivir la experiencia emocionante del recorrer sus salones de noche este viernes 19 entre 20 a 22 hrs. Habrá una visita mediada, denominada “El aniversario musical del matrimonio Rioja” ¿Te gustaría conocer el museo de noche? Te invitamos este viernes … Continúa leyendo CON SUS SIMBOLOS Y SECRETOS LA NOCHE DE VIERNES ABRE EL MUSEO PALACIO RIOJA #DIM2017 #VIÑADELMAR […]

  • EL SECRETO LENGUAJE DEL PALACIO RIOJA: LA BOCA, LOS BRAZOS, LAS PIERNAS Y LOS PIES DEL CREADOR
    por admin el día Mayo 13, 2017 a las 4:16 am

    El 13 de Mayo de 1979 la I. Municipalidad de Viña del Mar dicta un decreto alcaldicio que da inicio para el Palacio Rioja su vida como Museo. Una saga de 38 años dando a conocer a la comunidad para admirar los vericuetos de la artes decorativas, que hoy, siguiendo las grandes tendencias de la … Continúa leyendo EL SECRETO LENGUAJE DEL PALACIO RIOJA: LA BOCA, LOS BRAZOS, LAS PIERNAS Y LOS PIES DEL CREADOR […]

  • Esta Semana Santa el Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja Estará abierto #viñadelmar
    por admin el día Abril 12, 2017 a las 5:25 pm

    El Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja estará abierto este fin de Semana Santa en horario normal, de 10:00 a 13:30 y de 15:00 a 17:30 horas y con entrada liberada. El Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja estará abierto este fin de Semana Santa en horario normal, de 10:00 a 13:30 y de 15:00 … Continúa leyendo Esta Semana Santa el Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja Estará abierto #viñadelmar […]

  • Revive la Matinee en el Palacio Rioja con Cabaret y Ciudadano Kane #viñadelmar
    por admin el día Abril 4, 2017 a las 11:14 pm

    Continúa el exitoso ciclo “Matinee de Cine” con entrada liberada en la Sala Aldo Francia del Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja, ubicado  Quillota 214, Viña del Mar. Este miércoles 5 de abril se exhibirá, a las 16 horas, la película Cabaret dirigida por Bob Fosse y protagonizada por Liza Minelli. Estrenado en 1972 el original musical está basado … Continúa leyendo Revive la Matinee en el Palacio Rioja con Cabaret y Ciudadano Kane #viñadelmar […]

7 PAISAJES: EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio

Del 20 de mayo hasta el 25 de junio se presentará en la sala de exhibiciones de Museo sin Muros, Sala Museo Nacional de Bellas Artes ubicada en Mall Plaza Vespucio la exposición de fotografía 7 paisajes, un proyecto de Carlos Montes de Oca, con trabajos de importantes artistas nacionales relacionados a esta disciplina: Luis Ladrón de Guevara, Marina Piracés, Francisca Montes, Roberto Pasminio, Felipe Lavín, Patricio Vogel y Luis Weinstein.

Esta exposición reúne obras que nos aproximan al tema del paisaje, nos conectamos a una imagen del exterior donde surge la naturaleza y la ciudad asociadas al recorrido de la mirada, centrándose preferentemente en el país que habitamos: Marina Piracés bordados sobre imágenes de los valles, Francisca Montes un recorrido aéreo por la latitud 33, Roberto Pasminio fragmentos del Norte Grande, Felipe Lavín la nueva arquitectura la capital y Patricio Vogel el poderío de Los Andes y Luis Weinstein una panorámica del gran Santiago

Teniendo en cuenta el vertiginoso siglo de las imágenes, estos artistas nos ofrecen momentos que implican ciertas aproximaciones al reconocimiento del mundo o una reflexión sobre lo que vemos, experimentando en los soportes, con técnica digital o análoga, y nos obligan a retomar el tema de la desconexión con que la sociedad avanza sin considerar nuestro alrededor.

El concepto de orden y estructura enmarca el trabajo de Luis Ladrón de Guevara. Aquí el tiempo como otro eje protagónico va cediendo paso a la composición de líneas, sombras, reflejos de la luz sobre objetos cotidianos; llevándonos a otro lugar o haciendo revivir este diario vivir al incorporar faenas de la gran industria o el trabajo artesanal en el campo y el mar.

Marina Piracés con tres fotografías nos introduce en la naturaleza. Organismos vegetales que están ahí son demarcados o acentuados por la manualidad del bordado a modo de una intervención leve o tenue sobre la superficie de la imagen que vemos. Se podría establecer un paralelo entre el bordado y la pintura como señalizando un momento, un segmento de este ciclo.

En Francisca Montes la presencia de la geografía se hace visible y potente desde la mirada aérea. Es este recorrido desde el aire el que nos permite introducirnos a zonas ocultas o lugares inciertos, pero en particular esta imagen nos devuelve a la territorialidad, nos hace ser protagonistas en medio de las alturas, anclados a la sola memoria entre el azar y lo predeterminado.

Con Roberto Pasminio iniciamos un recorrido por una serie de visiones territoriales, que nos conectan al gran espacio del desierto y las cordilleras. Sobrevolamos con la mirada esas superficies abruptas y enarenadas, las rocas volcánicas o esas altas mesetas, que como escenarios abstractos se van impregnando de la espacialidad y el silencio.

Despegar e iniciar el vuelo es el origen de las fotografías que realiza Felipe Lavín, al invitarnos a ser parte de estas nuevas construcciones que rodea nuestro cotidiano. Luego, por este acceso, van apareciendo geometrías, agrupadas en una colección de fragmentos conjugando espacios comunes y lugares distantes.

Patricio Vogel también nos lleva al gran exterior. La cordillera de Los Andes viene a ser el cierre, la frontera, la expresión dura de la geografía, conectando una serie de oposiciones frío-cálida, sólido-líquida, irregular y llana que van demarcando la extensión de otro territorio, allí donde este gran accidente rocoso, casi impenetrable, queda sostenido e iluminado solo por palabras.

La ciudad tanto en el trazado como en su recorrido es el inicio de la visión panorámica de Luis Weinstein, con una imagen secuencial nos acerca al movimiento del convulsionado mundo de la calle. Escenario donde se plantea una especie de juego entre el transcurso y la propia imagen, como si fueran palabras confundidas sobre un ruido de pasos.

Sala Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio.

Avda. Vicuña Mackenna Oriente 7110. Primer nivel. La Florida, Región Metropolitana

Teléfono: 22586 32 32 / mnbaplazavespucio@gmail.com

Horario: lunes a domingo 10:30 a 21:00 hrs

Entrada Liberada

 

¿UN CONCIERTO EN UN TEMPLO ANDINO, A 3400 METROS DE ALTURA? IV FESTIVAL DE #ARTE SUR ANDINO #ARICA BARROCA

El Festival de Arte Sur Andino Arica Barroca invita con preguntas a disfrutar su cuarta versión, para celebrar la identidad sur andina de Arica y Parinacota, Paisaje Cultural de América. Arica Barroca es uno de los proyectos principales de Fundación Altiplano MSV, que trabaja para promover la conservación patrimonial en comunidad como alternativa de desarrollo sostenible.

Entre el 25 y 28 de mayo, el IV Festival Arica Barroca ofrece a la comunidad regional conciertos de música, ponencias académicas, presentaciones de libros, exposiciones y la Feria Neo Barroca, de arte y diseño emergente, todo en torno al patrimonio artístico conservado en al ámbito sur andino de América, que comparten Perú, Bolivia, Chile y Argentina.

Las actividades son gratuitas y se realizan en sitios patrimoniales principales de la región. Las ponencias serán en la Casa Bolognesi, gracias al apoyo del Consulado del Perú, destacando la presentación de investigadores locales e internacionales, como el músico socoromeño y Tesoro Humano, Rodomiro Huanca, el musicólogo boliviano Arnaud Gérard y el historiador peruano Luis Cavagnaro. Como parte de las ponencias, se realizará la presentación del libro Arica y Parinacota, Paisaje Cultural de América, que promueve la región como territorio patrimonial, resultado de una iniciativa financiada por SUBDERE y Gobierno Regional de Arica y Parinacota.

Los conciertos de música ofrecen un contrapunto en base a composiciones del barroco europeo y mestizo americano, junto a piezas del patrimonio musical sur andino. En la Catedral de San Marcos, recientemente restaurada, el jueves 25 y viernes 26, sorprenderán al público ariqueño el grupo nacional Aestus Harmonicus y el Conjunto Queñual, de Arequipa – Perú, que trae su propuesta “Ucronía en los Andes”, un espectáculo que desafía el universo sonoro de la Música Tradicional Andina.

El sábado 27, a 3.400 msnm, la comunidad de Pachama recibirá a los viajeros amantes de la cultura y la música con una mágica sesión especial del Conjunto Queñual en el templo con pintura mural del s.XVIII, restaurado recientemente. Además, el cineasta Pablo Perelman estrenará el piloto de su serie “Trajín Barroco”, dedicada a las iglesias andinas de la región.

Como instancia dedicada a los nuevos diseñadores, artesanos y artistas creadores de la región, Arica Barroca ofrece una vitrina inmejorable en la Plaza Colón, la Feria Neo Barroca. Este año, la Neo Barroca tendrá como invitado especial al “Señor de las Máscaras” Edwin Loza Huarachi, artesano peruano con más de 40 años de trayectoria en el arte de las máscaras para bailes andinos, declarado Amauta por el Gobierno Peruano, por haber difundido este patrimonio excepcional americano en México, Francia, España e Inglaterra y Alemania.

Gracias al apoyo del Consulado del Perú, se ofrecerá la exposición: La Geografía como una de las Bellas Artes: El Atlas geográfico del Perú de Mariano Felipe Paz Soldán (1865), el primer gran atlas del Perú Republicano, que contiene hermosas viñetas y litografías que fueron editadas para celebrar los 150 años de su primera publicación.

El Festival de Arte Sur Andino Arica Barroca es posible gracias a alianza estratégica entre Consejo de las Cultura y las Artes y Fundación Altiplano. Además, y al generoso apoyo de Banco Interamericano de Desarrollo BID, ENGIE,  Gobierno Regional de Arica y Parinacota, Municipalidad de Arica, Municipalidad de Putre, Fundación Colunga y Consulado del Perú.

El día 24 de mayo, en la Catedral San Marcos, en conjunto con el Consejo de la Cultura y Las Artes, Municipalidad de Arica y Obispado de Arica, se realizará una conferencia de prensa para comunicar el programa de actividades e invitar cordialmente a toda la comunidad regional.

El programa de Arica Barroca 2017 está disponible en el sitio www.aricabarroca.cl

CNCA abre convocatoria para Residencias de Artes Visuales, Fotografía y Nuevos Medios 2017

El programa Traslado selecciona artistas para realizar residencias de arte en tres zonas del país durante un mes.

El programa Traslado de la Macroárea de Artes de la Visualidad del Consejo de la Cultura busca promover la creación y producción por parte de artistas contemporáneos con trayectoria de al menos 10 años en las áreas de Artes Visuales, Fotografía y Nuevos Medios.

Las residencias se realizarán durante un mes aproximadamente en tres regiones del país: en el Espacio ISLA en Antofagasta, en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos en la Región Metropolitana y en Casa Poli de la región del Biobío.

La convocatoria busca incentivar la creación y la producción por parte de artistas que se desempeñan en el ámbito nacional en otros contextos de producción e investigación contemporáneos, así como facilitar la creación de redes de colaboración con artistas de distintas regiones.

Los espacios y fechas de realización de las residencias son las siguientes:

Antofagasta

  • Instituto Superior Latinoamericano de Arte (ISLA): Inaugurado el 31 de marzo de 2016, el Instituto es un espacio autogestionado que propone generar redes y nexos, acogiendo proyectos que provoquen movilidad cultural en la ciudad, siendo al mismo tiempo un centro de residencias artísticas que se proyecta con un modelo de autosustentabilidad. Ocupa una casa en el centro sur de Antofagasta, en el sector Playa Blanca, con un equipo de trabajo multidisciplinar que encabezan Dagmara Wyskiel y Christian Núñez.
  • Fechas: Primer periodo: Desde el 20 de septiembre al 20 de octubre. Segundo periodo: Desde el 23 de octubre al 24 de noviembre 2017.

Región Metropolitana

  • Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos: Su misión es promover y estimular la creación, experimentación, reflexión y comprensión del arte contemporáneo chileno, en conexión con la escena nacional e internacional, poniendo a disposición de la ciudadanía, las herramientas para su conservación, investigación, educación y difusión.
  • Fechas: 02 al 31 de octubre de 2017.

Biobío

  • Casa Poli: es un espacio independiente, creado el 2005 como un centro de residencias de arte contemporáneo. Se encuentra ubicado en la localidad de Coliumo, comuna de Tomé, octava región. Desde el 2010 es codirigido por Leslie Fernández y Oscar Concha, quienes han impulsado un programa constante de residencias, invitando y seleccionando a artistas e investigadores chilenos y extranjeros para desarrollar proyectos que reflexionen en torno al territorio, pero también incentivando la generación de redes e intercambios con otros espacios a nivel nacional e internacional.
  • Fechas: 1er período: del 02 al 27 de octubre de 2017. 2do período: del 30 de octubre al 30 de noviembre de 2017.

Para participar debes inscribir tus datos en el Perfil Cultura en http://clave.fondosdecultura.gob.cl/ y entregar vía correo a residenciasdearte@cultura.gob.cl los documentos solicitados.

El resultado de la convocatoria 2016 del programa Traslado puede visitarse en la exposición “Convergencias en el Territorio. Residencias Programa Traslado” que se expone hasta el 20 de mayo en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo ( se adjuntan imágenes).

 

Muestra de Voluspa Jarpa con documentos desclasificados de la CIA arriba al #Centex en #Valparaíso

“Translation Lessons” es el capítulo chileno de “En nuestra pequeña región de por acá”, obra que la artista chilena desarrolló entre los años 2014 y 2016, a través de la revisión histórica y traducción de los archivos secretos de América Latina (1948 – 1994), que compromete a 14 países de la región y que presentó el año pasado en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA.

El montaje es parte de “Latente”, nuevo ciclo de exposiciones inaugurado por el Centro de Extensión (Centex) del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), que incluye muestras relacionadas con códigos, registros y experiencias creativas.

Entre los años 2014 y 2016, la artista visual Voluspa Jarpa hizo una revisión histórica y tradujo los documentos desclasificados de la CIA del periodo que va de 1947 a 1994, que comprometía a 14 países de América Latina. Así nació “En nuestra pequeña región de por acá”, exposición mostrada el año pasado -con gran éxito- en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA, y de la que ahora la también pintora hizo una selección con el material correspondiente a Chile, para dar vida a “Translation Lessons”, muestra inaugurada en el Centro de Extensión (Centex) del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), en Valparaíso.

La exposición forma parte de “Latente”, nuevo ciclo programático del Centex (Sotomayor 233), que incluye proyectos artísticos relacionados con códigos, registros y experiencias creativas. Ésta acaba de abrir sus puertas y estará disponible al público hasta el 16 de julio, con entrada liberada.

Ya sea a través de la acción de leer o de “asistir” a las lecciones realizadas por Jarpa, las obras incluidas en “Translation Lessons” plantean un acercamiento a la información de los archivos desclasificados por los servicios de inteligencia de Estados Unidos.

La propuesta invita a reflexionar acerca de la distancia entre la información contenida en los desclasificados y el acceso de parte de los chilenos, no solo por la condición de código secreto que cifra la manera de operar, sino también por el idioma inglés en que están presentados y narrados los hechos ocurridos en Chile entre los años 1961 y 1991, periodo implicado en la información develada por los archivos.

Ciclo “Latente”

El ciclo “Latente” invita a la ciudadanía a conocer y reconocer, a través de procesos creativos en los ámbitos de las artes plásticas y visuales, métodos desconocidos, aparentemente inactivos o inexistente; registros no advertidos de lo cotidiano, información escondida o códigos con los cuales podemos conectarnos, para descubrir, descubrirnos y redescubrirnos.

Esta temporada del Centex estará marcada por exposiciones permanentes que develan, a través de diferentes experiencias creativas y códigos, la huella que dejan o general las personas: “Haciendo días”, curada por el artista Juan José Santos, muestra una colección de bitácoras de distintos artistas, que contienen el registro de diversos procesos creativos.

“Escucho cosas”, de Marcelo Maira, busca que niños de hasta 16 años identifiquen como propios objetos y sonidos de espacios cotidianos (cocina, baño y habitación), para que puedan reconocer sus espacios y reflexionar acerca de sus/nuestros propios lugares cotidianos y de la relación que se establece con ellos.

La ilustradora Toto Duarte, a través de “Las cosas que voy a extrañar cuando me muera”, invita a mirar situaciones de la vida cotidiana, para identificar las cosas que nos parecen relevantes, que nos gustan, que nos divierten, que nos interesan, para ser conscientes de aquello y, por ende, poder disfrutarlas de mejor manera.

Además de las exposiciones permanentes antes mencionadas, “Latente” incluye talleres, charlas y actividades complementarias. Más detalles y programación en www.centex.cl.

Fotos: Jorge Villa / Centex

 

balmes, barrios, bru y nuñez : pintura por una sociedad libre y justa #exposición #mnba

El legado de artistas que rompieron con la pintura académica por una obra de compromiso social y político. En primer piso y sala Matta desde el 26 de abril hasta el 21 de junio.

Por primera vez se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes la obra de los artistas José Balmes, Gracias Barrios, Roser Bru y Guillermo Núñez, bajo el común denominador de haber sido distinguidos con el Premio Nacional de Arte y por tener una trayectoria marcada por su compromiso social y político.

“Esta muestra constituye un gran homenaje a estos cuatro creadores, cuyo testimonio y labor con miras a una sociedad libre y justa, constituye un valioso legado para el desarrollo del arte, la cultura y la memoria de nuestro país”, señala Ángel Cabeza, director de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos.

Las obras seleccionadas provienen de las colecciones del MNBA, Museo de Arte Contemporáneo (MAC), de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción y del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, así como de los talleres de los artistas y de colecciones privadas, sumando alrededor de doscientas piezas, que serán distribuidas en las alas Norte y Sur del primer piso y en la sala Matta del Museo. La curatoría se centra en los períodos que van desde 1960 a 1973, marcado por la revolución pictórica y el Golpe Militar; y desde 1974 a 1990, caracterizado por el exilio, la resistencia y el retorno a Chile con el restablecimiento de la democracia.

“Es imposible abordar la obra de Balmes, Barrios, Bru y Núñez sin situar su labor desde su conjunción explícita entre su propuesta formal y su postura frente a los acontecimientos políticos y sociales de los que fueron parte, los que no pudieron eludir debido a su conciencia de ciudadanos activos y comprometidos. Interesa también comprender cómo a través del gesto y la materia, con una propuesta crítica no complaciente, se hicieron parte de la realidad”, explica Roberto Farriol, director del MNBA.

Curatoría y vinculaciones

La curatoría se sustenta en cruces y vinculaciones en la vida de los cuatro artistas que pertenecen a la generación del cincuenta de reconocida influencia en la Reforma Universitaria de 1968. Todos estudiaron en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fueron alumnos del pintor Pablo Burchard. Junto a otros creadores formaron el Grupo de Estudiantes Plásticos (GEP) en 1947. Balmes y Barrios, entre otros artistas fundaron el Grupo Signo en 1962 y durante la Unidad Popular, Núñez y Balmes crearon la feria El pueblo tiene arte con Allende.

La selección e investigación de las obras fue realizada por Inés Ortega-Márquez, quien escogió piezas de diversos formatos y técnicas, como collages, grabados, pinturas (óleo, acrílicos, mixtas) y algunos textiles, que entregarán una amplia y extensa mirada a la producción artística de los cuatro artistas. Las primeras décadas que abarca la muestra corresponden a “un período de revolución pictórica en Chile con la irrupción del Informalismo que arranca de la crítica a las tradiciones de la Academia en los albores de los años sesenta. El período del exilio y la resistencia constituye el siguiente acento de la muestra. Las obras de estos años son de marcado interés y preocupación por Chile y reflejan en imágenes figurativas o en metáforas abstractas la situación de represión, lucha y resistencia. Los cuatro artistas se mantuvieron fieles a su compromiso con la contingencia y su obra hoy está totalmente vigente”, explica la curadora.

Otro nexo entre los artistas es su carácter de inmigrantes por razones políticas, en distintos períodos de su vida. José Balmes y Roser Bru nacieron en Cataluña, España y debido a la Guerra Civil Española debieron partir, primero rumbo a Francia y luego a Chile a bordo del Winnipeg. Tras el Golpe Militar de 1973, Núñez fue exiliado en 1975 y Balmes en 1974, quien partió con su esposa Gracia Barrios. Roser Bru trabajó activamente desde la disidencia, tanto individualmente como en forma grupal al alero del Taller 99, recibiendo el Premio Nacional de Arte en 2015. Balmes y Barrios regresaron al país en 1986 y obtuvieron el mismo galardón en 1999 y 2011, respectivamente. En tanto que Guillermo Núñez regresó a Chile en 1987 siendo galardonado con el mismo reconocimiento en 2007.

Actividades de extensión y educación

4 de mayo Presentación del catálogo a las 19:30
Con motivo de la muestra se editó el libro de la exposición que cuenta con el texto curatorial a cargo de Inés Ortega-Márquez; uno de Gaspar Galaz para la obra de José Balmes; otro de Federico Galende sobre la obra de Gracia Barrios; Carlos Navarrete y Manuel Antonio Aguirre quienes de forma separada se refieren a la obra de Guillermo Núñez; y Adriana Valdés escribe sobre Roser Bru.

8 de junio Conversatorio 10:00 hasta las 14:00
Académicos y críticos de arte se darán cita en el auditorio José Miguel Blanco en el MNBA para reflexionar sobre el legado de estos artistas en el desarrollo de las artes visuales de Chile. Esta actividad es abierta a público general y no se requiere inscripción previa.

Material didáctico

El área de Mediación y Educación del MNBA desarrolló material didáctico orientado a estudiantes de enseñanza media, que se distribuirá gratuitamente en el Museo.

Visitas Mediadas

Para conocer y apreciar las obras de 4 Premios Nacionales se ofrecen visitas mediadas gratuitas, dirigidas a cursos y delegaciones, de martes a viernes a las 10:30, 11:30, 12:30, 15:30 y 16:30, previa inscripción al correo mediacion.educacion@mnba.cl. El sábado y domingo se realizan sin inscripción previa, a las 10:30, 11:30, 12:30, 15:30, 16:30 y 17:30.

Organización

La exposición que se lleva a cabo con la curatoría de Inés Ortega-Márquez y la producción del galerista Marcelo Aravena, cuenta con el auspicio del Área de Artes Visuales del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el patrocinio de la Municipalidad de Santiago, la colaboración de Metro y la Fundación Arte y Solidaridad, y el apoyo de la Ley de Donaciones Culturales.

Marcel Duchamp: el hombre que murió para inventar el #arte contemporáneo

No fueron Pablo Picasso y sus señoritas de Aviñón, ni Salvador Dalí y sus relojes blandos: el hombre que revolucionó las artes visuales del siglo XX se llamó R. Mutt y este 9 de abril se conmemoran cien años del ‘gesto plástico’ con el que cambió para siempre la historia del arte.

fuente © Sputnik Walter Ego https://mundo.sputniknews.com/ensayos/201704091068231916-marcel-duchamp-arte/

El caso de Duchamp […] me apasionano por ser ‘mejor’ sino por ser único.

Octavio Paz, ensayista y poeta mexicano

Bajo ese nombre se ocultaba Marcel Duchamp (1887-1968), un artista francés que apenas sí tenía 30 años ese 9 de abril de 1917, fecha en la que presentó en el Centro de Exposiciones The Grand Central Palace de Nueva York, durante la primera exhibición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, un mingitorio fabricado en porcelana blanca que rotó 90 grados respecto a su uso convencional y tituló ‘Fuente’.

No era la primera vez que Duchamp tomaba un objeto cotidiano y lo transformaba en una ‘obra de arte’ por el simple arbitrio de su voluntad. Lo había materializado, entre otras creaciones, en 1913 con una rueda de bicicleta que fijó sobre un taburete de cocina, y lo había reiterado con un escurridor de botellas hacia 1914 y una pala para quitar nieve que firmó y colgó del techo en 1915; pero fue su ‘Fuente’ la que se convirtió en el máximo exponente del objeto ‘ya hecho’ —ready-made, en inglés— con el que pretendía bajar al arte de su nicho sagrado.

La provocación interminable

La pieza de R. Mutt dejó perplejos a los integrantes del jurado de la exposición anual de la Sociedad de Artistas Independientes, quienes ignoraban que el autor de aquella provocación era uno de sus pariguales —Duchamp formaba parte del jurado—. Rechazaron mostrar la obra a pesar de que con solo pagar seis dólares cualquier persona tenía derecho a exponer: era la forma en la que aquellos artistas independientes pretendían, al igual que el francés, desacralizar la función consagratoria de museos y exposiciones.

Para Duchamp la pintura tradicional había agotado toda su capacidad expresiva hasta el exceso de su invalidación como disciplina artística. De ahí que sus ‘ready-made’ propusieran una lectura del arte que fuera ajena a las convenciones estéticas de belleza y de objeto de manufactura exclusiva; de ahí que transfiriera la condición de obra de arte a objetos fabricados en serie cuya ‘belleza’ o valor estético fuese resultado no de su génesis sino de su percepción. Con ello Duchamp despojó al arte de sus oropeles señoriales y le regresó su carácter lúdico al convertir al espectador en copartícipe de la aventura de la creación. “Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros”, sostenía.

En el año 2004, en una encuesta para promocionar el Premio Turner —que otorga desde 1984 la Galería Tate de Londres a un artista británico menor de 50 años—, unos quinientos críticos y artistas eligieron a ‘Fuente’ como “la obra de arte más influyente del siglo XX”. Tan polémica como la pieza elegida, la encuesta, sin embargo, le hacía justicia a un ‘ready-made’ que rebasaba su condición factual para erigirse en vocero de una estética totalmente nueva por aquel solitario ‘gesto’ de un creador, una estética que se percibe —valga la transgresión etimológica— a través del intelecto, no a través de los sentidos. “Estoy interesado en las ideas, no simplemente en productos visuales”, dijo alguna vez Duchamp.

Aquel gesto ‘duchampiano’ avivó el frenesí creativo de las artes visuales del siglo XX —y de lo que va de la presente centuria—. Por la inclusión de materiales ajenos a la plástica tradicional para crear una vivencia sensorial nueva, la ‘Fuente’ de Duchamp es precursora de las ‘instalaciones’ que marcan al arte contemporáneo; por su carácter provocador se adelanta asimismo a lo que años después el ‘performance’ convertiría en una de sus señas identitarias; por hacer que la idea tras la obra resulte más importante que la obra misma —al punto que hasta hoy se habla de ‘Fuente’ sin necesidad de verla— se le puede considerar el venero del que bebió el ‘arte conceptual’; igualmente, por su negación del arte como imitación de la naturaleza, por su enajenación de las instituciones artísticas tradicionales —de museos y salones y hasta del propio mercado el arte— se le puede inscribir en los reclamos estéticos del ‘Ars gratia artis’ o ‘arte por el arte’, en español. La huella de ‘Fuente’ se puede rastrear incluso más allá de las fronteras de las artes visuales. Su desaparición de la materia plástica tradicional fue un presagio de lo que años después haría Samuel Beckett en su tragicomedia ‘Esperando a Godot’: borrar de la escena la acción teatral; o de toda la experimentación literaria del siglo XX, de James Joyce a Georges Pérec.

Lo que sobrevino después en la historia del arte es un capítulo cargado de seducción y desprecio a partes iguales. Sin embargo, para quienes derivan de la polvareda estética levantada por Duchamp el lodazal de ciertas manifestaciones plásticas contemporáneas cabe señalar que las imposturas intelectuales no son exclusivas del arte y que no procede establecer relaciones reprobatorias de causa y efecto entre ambos fenómenos, de la misma forma que nadie condenaría a la Aritmética —derivación de las Matemáticas- por las aberraciones de la Numerología.

La ‘Fuente’ de la discordia

Se ha dicho que ‘Fuente’ es realmente una creación de Elsa von Freytag-Loringhoven, una poeta y pintora alemana conocida como ‘la Baronesa Dadá’ por el título nobiliario que heredó al enviudar y por sus excentricidades como creadora. La creencia parte de una carta de Duchamp a su hermana Suzanne, fechada el 11 de abril de 1917, en la que refiere que una de sus amigas “bajo un seudónimo masculino, Richard Mutt, me ha enviado un urinario de porcelana como si fuese una escultura”.

Si para algunos especialista como Julian Spalding, exdirector de museos de Glasow, ello “cambiaría totalmente la ortodoxia del mundo del arte […], y el valor de las obras y las reputaciones de muchos de los nombres más famosos del arte contemporáneo reasignados”, la realidad es que sería hacerle poco favor a la revolución que para el arte significó ‘Fuente’ auscultándola con el tradicional concepto del artista como demiurgo que su propia existencia dinamitaba. Más allá de que pudiera señalársele como anticipación del discurso apropiatorio y referencial que marcaría a buena parte de las artes visuales posteriores, lo que ha hecho trascender al mingitorio de Duchamp en la historia del arte es el ‘gesto’ de su (re)presentación y todo el andamiaje ideoestético que lo sustenta. Después de todo, como anunciaría años más tarde el semiólogo y filósofo francés Roland Barthes, “el nacimiento del lector —y del espectador— se paga con la muerte del Autor (Creador)”.

Sala de Arte CCU presenta la muestra colectiva Quinta, #Arte Contemporáneo – Región de #Valparaíso

La muestra, que surge del interés de difundir la producción de jóvenes talentos de regiones, reunirá el trabajo de 11 artistas de la escena artística de la región de Valparaíso.

El próximo jueves 6 de abril a las 19:30 hrs., la Sala de Arte CCU presentará la muestra colectiva “Quinta, Arte Contemporáneo-Región de Valparaíso”. La exposición, que surge del interés de acoger el arte de regiones e incluir la producción de jóvenes talentos, reunirá el trabajo de 11 artistas locales y estará abierta al público hasta el 31 de mayo.

La muestra incorpora obras de Carlos Silva, Danila Ilabaca, Gabriel Holzapfel, Juana Díaz, José Pemjean, Nicholas Jackson, Pablo Saavedra & Javiera Marin, Pablo Suazo, Renato Órdenes y Sebastián Gil. Con referencias, estilos y representaciones visuales y simbólicas que hablan de la región de Valparaíso, sus obras que abordan miradas que van más allá de la institucionalidad, remitiéndose a escenarios más íntimos, de confianza y a escala humana, como las galerías de arte de los cerros de la V Región.

Los artistas basaron su producción en la observación de los objetos propios de la ciudad, donde las perspectivas arquitectónicas, sociales y simbólicas traman un lenguaje que hace evidente una significación particular, la localidad de las historias y la relación del imaginario porteño. El título de la muestra, en tanto, alude al escenario de producción local de Valparaíso, validado por docentes, artistas y gestores que llevan a cabo la difícil misión de potenciar y difundir el circuito.

“Quinta, Arte Contemporáneo-Región de Valparaíso” estará abierta al público en la Sala de Arte CCU, Vitacura 2680, a partir del jueves 6 de abril y hasta el 31 de mayo de 2017, de lunes a viernes entre las 10:00 y 18:30 horas. La entrada es liberada.

Sobre la Sala de Arte CCU

La Sala de Arte CCU fue creada en 2008 con el propósito de ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales.

“Los hijos de Júpiter” : TATIANA ÁLAMOS Y SU INAGOTABLE IMAGINARIO #lascondes

Luego de seis años de investigación, la artista, que acaba de cumplir 91 años de edad, da vida a “Los hijos de Júpiter”, donde muestra inquietantes personajes.

La exposición se presenta entre el 7 y el 30 de abril en el Centro Cultural Las Condes.

Luego de seis años de investigación, reflexión y experimentación, la reconocida artista Tatiana Álamos, da vida a Los hijos de Júpiter, una serie de inquietantes personajes, que transmiten la conexión que busca la autora con otros mundos. La expositora, que acaba de cumplir 91 años de edad, se vale del ensamblaje, el collage y la intervención, para construir una muestra que sorprende con su poesía visual e interpela al espectador para transitar caminos mágicos y desconocidos.

La exposición, que se presenta en el Centro Cultural Las Condes entre el 7 y el 30 de abril, nació de una forma asombrosa, como ha sido la obra misma de Álamos. En 2010, la artista descubrió una inusual novela de ciencia ficción escrita por un chileno -Francisco Miralles- en el siglo XIX. Desde entonces se ha dedicado a estudiar el texto y el autor, convirtiendo este hallazgo en el punto de partida de su obra reciente.

Como es una constante en todo su trabajo, Álamos no ilustra, sino que crea un imaginario propio, estimulado por las voces de otros. Ya ha trabajado con Mistral, Cortázar, Huidobro o Lorca, por citar algunos, y ahora su mirada alerta se posa en este inusual relato, que se adelanta décadas a un tema que aún hoy pertenece al futuro.

“He viajado con Tatiana Álamos a diversos mundos, universos de su creación a los que he tenido la suerte de ser invitado. Con ella siempre son pasajes a lo sorprendente, a lo inesperado. Infancia reconquistada, asombro. Recreación o fabulación mágica, imaginativa, de la física a la astronomía, de la historia a la poesía; de la botánica a la mitología, etcétera.  Para la artista un verso, una semilla de baobab o un artículo sobre los neutrinos, puede servir de motor o plataforma de lanzamiento para sus expediciones visuales, para las ensoñaciones mentales que va plasmando en su obra”, señala el teórico del arte Guillermo Carrasco Notario.

Y profundiza al explicar que “Los hijos de Júpiter” no son la ilustración del libro de Miralles, “sino la prosecución de las investigaciones de la artista con la hojalata, el acrílico, y otros materiales que ella sabe unir con suma coherencia en su corpus creativo. Constituyen variaciones sobre un mismo tema, y en este ejercicio la maestría de la artista logra vérselas con suma flexibilidad con lo parco de los elementos, derrochando imaginación y riqueza formal”.

Es que la muestra se constituye como una verdadera “lección de arte, que en el caso de Tatiana Álamos es siempre lección de vida”, concluye Carrasco.

Tatiana Josefa Álamos Adriasola, pintora y artista visual, nació en Taltal, Chile, el 6 de enero de 1926. Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile en 1964, licenciándose en Arte en 1972. Fue alumna de Francisco Brugnoli, José Balmes, Gracia Barrios y Sergio Mallol. Realizó estudios de Antropología en la Universidad Católica y de Arqueología en la Universidad Central de Quito, Ecuador. Viajó a París, Francia donde estudió la técnica del tapiz con los artistas Yagoda Buick y con Jarriga. Además de nuestro continente, su obra ha sido exhibida y admirada también en Norteamérica, Asia y Europa.

Francisco Miralles o el Julio Verne austral

“Poco se sabe y poquísimo se ha escrito sobre Francisco Miralles, personaje polifacético -escritor, científico, inventor y fotógrafo- nacido en Santa Cruz de Colchagua en 1837.  Sin embargo, sus dotes imaginativas en la narración y su calidad de pintor y retratista bastarían para una buena asociación creativa con Tatiana Álamos”, escribe el propio Carrasco.

Usando el seudónimo de Saint Paul, Miralles publicó novelas por entregas y artículos literarios. “Pero la más interesante de sus obras, por ser la primera novela de ciencia ficción escrita por un chileno, sin lugar a dudas es ‘Desde Júpiter, curioso viaje de un santiaguino magnetizado’, expedición mental y alucinada a mundos extraterrestres, que de algún modo recuerda los temas de Julio Verne; pero que por la forma en que el protagonista emprende el viaje, hipnotizado y no en un artefacto espacial, lo de Miralles tiene mucho más de alucinación sicodélica o trance de los sentidos”.

Fecha:                        7 al 30 de abril de 2017

Lugar:                        Salas de Exposición Centro Cultural Las Condes, Apoquindo 6570

Teléfono:                   22 896 9800
Horario:                     Martes a domingo, 10:30 a 19:00 horas
Entrada:                    Liberada

Segundo Aniversario de CASA EN BLANCO con Exhibición colectiva “Donde Fuego Hubo”

Este viernes 31 de marzo, para celebrar los 2 años de vida de la factoría y galería de arte Casa en Blanco se inaugurará la exhibición colectiva “Donde Fuego Hubo”.

La exposición contará con obras y artistas que han pasado por el espacio como el cantante y artista visual Diego Lorenzini, el ilustrador y creador de libros-zines Enzo Cortavitarte, el ilustrador y pintor Javier Mancilla entre otros.

Este viernes 31 de marzo a partir de las 19.30, la factoría y galería de arte que gestiona la producción, exhibición y difusión, Casa en Blanco abrirá sus puertas para inaugurar su exhibición colectiva “Donde Fuego Hubo”.

“Donde Fuego Hubo” corresponde a la primera actividad del calendario de exposiciones 2017 de Casa en Blanco y, al mismo tiempo, nace como una instancia para celebrar los dos años de actividad del espacio. La muestra colectiva contará con obras de artistas que ya han participado con exhibiciones propias en la galería de arte.

Entre los artistas que expondrán sus obras se encuentran el cantante y dibujante Diego Lorenzini, el ilustrador y creador de libros-zines Enzo Cortavitarte, el ilustrador y pintor Javier Mancilla, el ceramista Vicente Prieto Gaggero, la ilustradora textil Sandra Marín, entre otros.

La muestra estará abierta hasta el 14 de abril y contará con los 27 artistas que han pasado por el espacio quienes tuvieron que desarrollar su obra a partir de una misma encomienda: una hoja tamaño carta.

Atentos a la idea de que el quehacer creativo está siempre restringido por algo, “Donde Fuego Hubo” se sustenta en el reconocimiento de dichas restricciones, en el afán de hacerlas productivas y de ejercer la libertad creativa a partir de ellas.

Para los fundadores del espacio, Adrián y Jacinta Quezada y el resto del equipo, Casa en Blanco se sustenta en “la permanente construcción de contextos armónicos” a partir de las distintas especialidades, disciplinas u oficios que el lugar recibe y expone.  En septiembre de 2014, Casa en Blanco montó su primera exposición y desde entonces se ha consolidado como una factoría y galería de arte que gestiona la producción, exhibición y difusión de obas de diversa índole.

A continuación la lista completa de artistas:

Diego Lorenzini
Joaquín Cociña
Pablo Suazo
Juan José Richards
Lautaro Veloso
Rosell Meseguer
Emilio Fernández
Marie Rosmanich
Enzo Cortavitarte
Gabriel Sepúlveda
Simón Jarpa
Vicente Prieto
Tomas Olivos
Francisca Infante
Rodolfo Muñoz
Fernanda Aránguiz
Javier Mansilla
Carola Aravena
Lourdes Salgado
Sandra Marín
Javier Otero
Paula Abalos
Juan José Santos
Jordi Casanueva

COORDENADAS

Fecha: Del 31 de marzo al 14 de abril
Horario inauguración: 19.30 hrs.
Lugar:  Casa en Blanco
Dirección: Eliodoro Yáñez 2210, Providencia.

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/677841619082621/